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Nuestro glosario de branding ya lo dejaba claro, el place branding es la creación de marca para un lugar. Pero ¿qué necesita un buen place branding y para qué se utiliza? El lugar como marca debe integrar y expresar su identidad, sus valores y atributos mediante el place branding. Esa manera que tiene un lugar de comunicarse con el mundo y conseguir que se le vea tal y como ese lugar quiere que se le vea, es vital en una era en la que todos estamos conectados y la competencia es cada día mayor, también entre países, ciudades o regiones. París y su romanticismo, Roma y su cultura, Tokio y su tecnología. Estas asociaciones que podrían parecer casuales no lo son en absoluto. Son el fruto de una campaña de place branding. El objetivo de las acciones del place branding no es otro que conseguir que una región, municipio o país aumente su turismo, mejore su mercado local y su reputación, atraiga a posibles inversores y hasta ayude a sus relaciones internacionales. La identidad competitiva dentro del place branding La imagen de un país juega un papel crucial en la competitividad de las empresas, así como en los productos y servicios que ofrecen. Por ejemplo, Alemania es un país que asociamos con minuciosidad y fiabilidad, así que las empresas del motor alemanas son percibidas igual. Pero esta relación es bidireccional, las empresas y sus marcas son también uno de los principales constructores de la imagen de un país. Simon Anholt acuñaba este término como identidad competitiva en su libro Competitive Identity. The new brand management for nations, cities and regions. Formó esa identidad con un hexágono con seis conceptos que interactúan entre sí: turismo, mercado, política, inversión, cultura y público. El place branding puede ayudar construyendo una identidad competitiva que influya en las imágenes percibidas y conseguir así alcanzar los objetivos para los que se creó. No solo hablamos de ayudar como algo beneficioso para el lugar en sí, sino para las propias empresas que lo forman ya que su imagen es también la de todos los que forman parte de él de una u otra forma: sociedad, empresas, turismo… Es importante señalar que el place branding debe cumplir dos premisas: Ser sencillo. Cuando hablamos de sencillez en diseño y marketing hablamos de que menos es más. Siempre. La sencillez debe primar en todas las acciones. Tener objetivos a largo plazo. Es imposible en cualquier campaña de branding conseguir los objetivos a corto plazo, lo cual es extrapolable también al place branding. Los cinco principios del place branding Robert Govers, presidente fundador de la International Place Branding Association (IPBA), desarrolló junto a Erik van´t Klooster y Gerard Van Keken un conjunto de principios que resumen una buena campaña de place branding. Singularidad. Qué tiene tu marca que no tiene otra. Cuando hablamos de un lugar como una marca y de su identidad es imprescindible que ésta defina de una forma clara el carácter único que distingue a ese territorio de otros. Autenticidad. Es vital que conozcamos lo que otros piensan de nuestra marca antes de proyectar una imagen nuestra. Debemos además identificar de una forma clara y realista los atributos que formarán parte de la identidad de marca en el place branding. De esta forma podremos ser auténticos y fieles a la realidad. Memorable. Si eres auténtico y único terminas siendo memorable para la gente que te visita. Un recuerdo recurrente en el que la marca de tu lugar será el primer sitio que les venga a la mente por ejemplo, para invertir o visitar. Co-Creación. Según Robert Govers, la autenticidad en place branding se basa en la co-creación por parte de todos los implicados en el proceso. La mejor manera de trabajar el place branding es olvidarte de pirámides y trabajar en común con todos los implicados como el gobierno, las empresas o la sociedad. Place Making. Este concepto consiste en dos cosas: construir, desarrollando productos y acciones estratégicas que apoyen las promesas de la marca; y cooperar, encontrando objetivos comunes y puntos de acuerdo entre todos los implicados, tanto los stakeholders (término que hace referencia a todos los implicados en una empresa) como el sector público, privado o la sociedad. Esta estrategia integral contará con eventos, innovaciones, inversiones y acciones enfocadas a conquistar a los visitantes. Ejemplos de éxito de place branding Nueva York, EEUU Si hablamos de ciudades el logo más icónico que existe de la ciudad de Nueva York es el de esta campaña. Es sencillo, cosmopolita y está en sintonía con la ciudad por completo. Y fue vital para conseguir que la ciudad estuviera donde está ahora. Formó parte de una campaña en los años setenta en la que se promovió el turismo mediante paquetes vacacionales especiales, campañas de publicidad a nivel nacional con estrellas como Frank Sinatra o Liza Minelli y el logotipo más famoso de la historia de la ciudad, que diseñó Milton Glazer. <iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/3qG72jPE9qw" width="560" "=""> Steve Karmen compuso una canción para acompañar esta campaña que aún hoy, es una de las más representativas de la ciudad y que en ese momento les sacó de la crisis financiera en la que estaban sumidos. París, Francia Desarrollado en 2016 por la agencia francesa Graphéine, la nueva imagen corporativa de las oficinas de información turística de París es de las más notables que encontramos en Europa. El trabajo que hicieron incluyendo en la tipografía la torre Eiffel es visualmente significativo, auténtico y memorable. Sigue teniendo ese encanto francés, sencillo y elegante, pero modernizado. Además, se sumaron coloridas ilustraciones del diseñador francés Séverin Millet a la papelería de turismo en un gesto cosmopolita, vanguardista y chic. Esta acción es una de las que estarían incluidas en el place branding de la ciudad francesa. Oporto, Portugal En este caso el estudio de diseño portugués Eduardo Aires quiso representar Oporto como una ciudad global, compleja y rica, para lo que se empleó una ilustración inspirada en los azulejos clásicos de la ciudad, repleta de pequeños iconos. Este cambio en la identidad visual de la ciudad se sumó como una acción más en su place branding y consiguió que los ciudadanos portugueses se sintieran más identificados. Asturias, España Usando la gastronomía como valor de marca y sobre todo la espectacularidad de sus paisajes y las sensaciones que te hace sentir, Asturias es otro ejemplo de un buen place branding. En solo 48 segundos consigue transmitir esa paz y armonía que se respira en la región. El place branding de Asturias es el más longevo dentro de las autonomías españolas. Se mostró como destino sostenible y alternativa al turismo de playa que siempre ha conquistado España. «Asturias, Paraíso Natural» es un ejemplo brillante de cómo el place branding puede ser la oportunidad perfecta para dar a conocer una región y competir usando tus mejores armas. En este caso la clave es la naturaleza asturiana, su ocio gastronómico y la tranquilidad en su máximo esplendor. Perú Desde el año 2009 Perú ha estado trabajando en el place branding de su país, rediseñando su propia identidad de marca en 2011, cuando se presentó su nueva imagen, que se construyó alrededor de los sabores, los colores y la historia viva de Perú. El logo cambió, dando importancia a la letra P que se consigue con una espiral inspirada en uno de los iconos común todas las culturas antiguas peruanas. Así, solo con un gesto consiguen representar la tradición a la vez que la evolución y el cambio. El place branding de un lugar es mucho más que un logo o una campaña de publicidad. Es un trabajo minucioso en el que hasta los habitantes del lugar están implicados. Una forma de que el resto del mundo vea de forma sencilla quiénes somos y lo que podrían conseguir a nuestro lado. Como marca, también pertenecemos de una forma inexorable a la marca del lugar donde estamos. Formar parte activa de ella es tan importante como beneficioso para todas las partes ya que un buen place branding no solo atrae al turismo, también a inversores y favorece que los negocios locales crezcan.

Identidad visual y branding, ¿cuál es la diferencia?

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En el mundo del diseño es fácil que algunos términos se solapen los unos con los otros y nos confundan. Es el caso de la identidad visual y el branding, dos conceptos que pueden parecer similares, pero que no son lo mismo. Identidad visual: lo que vemos Cuando hablamos de identidad visual en diseño, lo hacemos de una combinación de elementos como el logotipo, los colores o la tipografía, aplicados en determinadas piezas como tarjetas de visita, folletos, sitios web, firma del email, uniformes... Papelería corporativa para CENIE (Centro Internacional sobre el Envejecimiento) Si lo simplificamos aún más, podríamos decir que la identidad visual es lo que puedes ver de una marca. Se rige por el Manual de identidad, documento vital para cualquier empresa, que contiene las reglas básicas de aplicación de la marca. El objetivo de la identidad visual debe ser siempre transmitir la esencia y los valores de la marca de una forma clara y coherente. Un ejemplo de una identidad visual de éxito Para entenderlo mejor pensemos en una marca reconocida y reconocible por cualquiera: Apple. Su identidad visual no solo es su icono de la manzana mordida, es también el diseño de su packaging, la decoración de sus tiendas, su página web, sus anuncios. Todo lo que está relacionado con la marca y se percibe con la vista, forma parte de su identidad visual de marca. Si te fijas bien, todo lo que forma parte de la identidad visual de Apple va en consonancia. Es como si viéramos un concierto en el que cada instrumento toca su nota y crean juntos la melodía perfecta. El uso del color, del espacio, de las fotografías.. hasta los diseños de sus productos siguen la misma línea. Tienda Apple No es solo que la identidad visual de una marca consiga conectarnos con la marca en sí, sino que nos permite reconocerla de una forma casi orgánica. Vayas a cualquier tienda de Apple del mundo sabrás que estás en una. La identidad de marca lo convierte en algo familiar y significativo. El equipo de diseño que crea una identidad visual en torno a una marca y trabaja para que la percepción del cliente se ajuste lo más posible a la esencia, el contexto y las emociones de esa marca. Usando cualquier tipo de lenguaje visual consiguen hacer tangible lo intangible. Branding: la construcción de una marca Como ocurre con cualquier acción relacionada con el diseño y el marketing, el branding tiene una importante parte emocional que busca hacer sentir al consumidor. Aunque el término branding se refiere al proceso de definición y construcción de la imagen de una marca en su totalidad, también busca desarrollar un conjunto de atributos y valores que el consumidor final perciba como únicos y coherentes. Una estrategia de branding abarca desde el naming y la arquitectura de marca hasta la creación del logo y toda la identidad visual. Este proceso engloba elementos tangibles como los colores de la marca, y otros intangibles como los valores y atributos que le dicen a nuestros clientes qué es y qué no es nuestra marca. Entonces podemos decir que la identidad visual es una parte del branding. Las acciones que se engloban en un proceso de branding tienen la capacidad de influir en el valor de nuestra marca y construirla dotándola de una personalidad única. Una buena estrategia de branding permite no solo posicionar nuestra marca en el mercado sino también en la cabeza de los consumidores y ayuda a crear un prestigio asociado al valor de los productos o servicios que ofrecemos. Detalles de la Identidad visual creada para Bocademia (un nuevo concepto de franquicia de bocaterías). La percepción que tengan de nosotros en cualquier aspecto englobado en el branding es vital para que el consumidor termine eligiendo nuestra marca. Por eso es importante recorrer este camino acompañado de profesionales expertos en branding y de un equipo de diseñadores que consigan trasladar esas emociones a la parte más física de una marca. Si tienes dudas o crees que podemos ayudarte a conseguirlo, escríbenos, estaremos encantados de formar parte de este proceso.

Consejos para crear un buen logotipo

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Lo habrás oído antes: toda marca que quiera triunfar, necesita un logo. Y es una verdad innegable. El logotipo es una de las partes del marketing más importantes por una sencilla razón, es el elemento más reconocible de tu marca. Pequeñas empresas, grandes multinacionacionales y hasta personas que buscan crear su propia marca personal, todos necesitan un logo. ¿Qué es un logotipo? En branding hablamos de un logotipo para referirnos a la representación gráfica del nombre de una marca. Podríamos decir que un buen logo es la mejor oportunidad para que una marca consiga una buena primera impresión. Será lo primero que vean de ella en muchas ocasiones y su objetivo es que se recuerde, así que es tremendamente necesario que se emplee tiempo en su diseño. Tipos de logotipo Podemos hablar de que existen cuatro tipos de logos a nivel general según sus características: Logotipo. Aunque también es el nombre elegido para designar a todos, si hablar de logo como uno de los tipos, lo hacemos del que está compuesto únicamente por letras, como el de Zara. Imagotipo. Es el que está compuesto por texto y un icono, como por ejemplo el logo de Adidas que lo forman el nombre de la marca, y el icono de las tres líneas encima. Isologo. Al igual que el imagotipo está formado por texto e icono, pero de otra forma. Esta vez el texto forma parte de la misma imagen, como por ejemplo en el caso del logo de la Nasa. Isotipo. Se compone sólo de letras o tipografía y un símbolo o icono.Este tipo de logo tiene hasta seis subcategorías: anagrama, monograma, pictograma, acrónimo, inicial y firma. Si eres diseñador y han confiado en ti para la creación de un logo de marca tienes en tus manos uno de los proyectos más bonitos dentro del marketing. Aunque eso sí, también es uno de los proyectos con más responsabilidad. Pero no te agobies, para crear un buen logo solo necesitas tiempo, creatividad, y tener claro qué debe formar parte de él. Las claves de un buen logo Como en cualquier estrategia de branding antes de empezar es necesario saber quiénes son los competidores y tener clara la identidad de la marca. Este proceso de investigación previo es imprescindible antes de ponernos a bocetar nuestro logo. Según el experto de marketing Jonah Berger, autor de “Contagious: Why Things Catch On”, un logotipo debe cumplir con cuatro premisas. 1. Simple Pocas cosas en diseño tienden a buscar lo contrario. Un logo debe ser simple, lo que no significa que esté falto de profundidad. Hablamos de simplicidad a nivel estético, con un diseño sencillo que logre un gran impacto solo con un golpe de vista. Rotundo y que consiga clavarse en tu memoria, como el estribillo de una canción. Para conseguir que sea un logo sencillo lo mejor es seguir tres normas: Pocos colores. Por mucho que te gusten los colores, es más fácil recordar un logo simple que no tenga más de tres. Visualmente será más atractivo y está demostrado que es más fácil de memorizar. Por ejemplo, el logo de Apple fue el más recordado en este estudio en el que un grupo de estadounidenses replicaba diez icónicos logotipos. Líneas sencillas, mucho impacto y un único color fueron la clave de que consiguiera un mayor impacto visual. Tipografías claras que se lean bien. Imagina el logo de Adidas. Tres bandas y una tipografía firme y que se lee perfectamente. La idea es que te recuerden por tu logo, así que no se lo pongas difícil al cliente usando una tipografía enrevesada que no se entiende. Nada de excesos. Buscar la sutileza por encima del barroquismo debe ser siempre la clave. ¿Recuerdas el logo de Nike? Hasta podrías dibujarlo ahora mismo sobre un papel. Cuanto más sencillo, más fácil de recordar. 2. Coherente con la marca Un logo debe hablar de la marca a la pertenece. Por ejemplo si analizamos el logo de IKEA y sus imponentes letras, recibimos un mensaje claro: “somos resistentes, fiables y robustos, como nuestros muebles.” El logo debe transmitir la esencia de la marca aunque esté compuesto únicamente por una tipografía. La tipografía no son solo letras, transmite mucho más y en un logo debes buscar que comunique aquello por lo que quieres que se te recuerde. 3. Memorable Según Berger tu logo debe “ayudar a recordar a tus clientes que existes y por qué existes”. Si creas un logotipo fácil de recordar, sencillo e impactante, favorecerás que de un simple vistazo algo quede marcado a fuego en tus clientes. Como un amor a primera vista. El logo de Apple por ejemplo, no solo es reconocible sino que cualquiera que lo vea lo recordará. Esa manzana mordida necesita una única ojeada para grabarse en tu memoria. 4. Único Es imprescindible que tu logo sea único. No es una buena idea “inspirarte” demasiado en algo ya existente, porque corres el riesgo de que te confundan con otro. Quieres destacar, ser el centro de las miradas y conseguir que todos te recuerden, y para eso necesitas generar impacto y convertirte en algo único. Como tu marca. Por ejemplo, el logo de Amazon es inconfundible con otros. Una sonrisa bajo el nombre que a su vez es una flecha que apunta de la “a” a la “z” y que lleva un mensaje implicito: lo tenemos todo. El logotipo es ese reflejo perfecto que buscas para una marca. Por eso es tan importante emplear tiempo, recursos y talento para su creación. Si te encuentras en ese punto y necesitas un logo que cumpla tus objetivos, contáctanos, estaremos encantados de afrontar este reto contigo.

Diferencias entre claim, eslogan y tagline

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Diferencia entre claim, eslogan y tagline Cuando hablamos de la estrategia de branding de una marca, es posible que terminemos mencionando tres términos: eslogan, claim y tagline. Si no tienes clara la diferencia entre estos términos, no estás solo. Incluso los gurús del marketing se contradicen al definir las diferencias entre ellos. A pesar de todo, hay algunos matices que sí que distinguen a los tres. La clave está en para qué se usan: Los tagline acompañan y definen a la marca. Allí dónde van, lanzan el mensaje de “esto es lo que somos, hoy y siempre”. Quizás lo más característico es que suelen acompañar al logotipo y son tan breves como sea posible. Un eslogan es una frase que acompaña a la marca o a un producto y busca llamar la atención y definir. Si te parece lo mismo que un tagline es porque en muchos casos es así. La diferencia es que un slogan puede centrarse en el producto o en la empresa, mientras que el tagline se pone el foco en la esencia y lo que define a la compañía. Los claim se asocian a una campaña. Ojo: Que sean temporales, no quiere decir que no se puedan quedar en nuestra cabeza durante mucho tiempo. En España, basta con decir “1880” a un grupo de personas. Siempre habrá varias que respondan “el turrón más caro del mundo” (aunque ese claim corresponda a una campaña de hace más de diez años). Los buenos claim sobreviven a sus campañas y pueden, como en este caso, convertirse en taglines. Como ves, estos conceptos se solapan y muchas veces un claim o un slogan pasa a ser el tagline, o es incluso los tres conceptos al mismo tiempo. Si buscas el icónico “Just Do It”, verás que se define como eslogan y tagline. Las dos afirmaciones son correctas. Para lograr taglines, eslogan y claims que perduran en la mente de tu público, puedes guiarte por algunas claves: Tres claves para conseguir un buen eslogan Antes de realizar lanzar eslóganes a lo loco, es importante pensar en que esa frase puede ser complemento perfecto para dar impulso a nuestra publicidad. En el eslogan debe reconocerse a la marca, y es importante que cuente con tres características básicas que son clave para que sea un eslogan potente: Si no es original, no sirve. Con original no solo nos referimos a que nuestro eslogan sea creativo y llame la atención (recuerda que su objetivo principal es conseguir ser recordado), sino que además se trate de algo único. No sirve de nada copiar a otros. Debe ser breve y conciso. Una frase corta es más fácil de recordar, así que no es necesario buscarle tres pies al gato. Di lo que quieras decir sin rodeos. No te olvides del componente emocional. Es imprescindible que lleve nuestro sello de marca, nuestra esencia y los valores de la misma. Además, las ventas están vinculadas con los estados de ánimo, por eso apostar por una frase emocional es jugar con una mejor mano. Un caso de éxito para entender qué es un eslogan Si hablamos de eslóganes memorables, el primero que se nos viene a la cabeza es el de Nike. Con su “Just do it” consiguió no solo un mensaje ponente, cargado de intenciones y que reflejaba absolutamente la marca, si no que también es un concepto casi eterno y completamente vinculado a ella. Cualquier persona reconoce a Nike detrás de esa frase. Tres claves para conseguir un buen claim Siguiendo el ejemplo de Nike, “Just do it” sería el eslogan o tagline, y “Make Yourself” o “Write the Future” serían el claim. Cada uno es la frase de una campaña pero a su vez se ven abrazados por un eslogan de marca. Para conseguir un buen claim busca que cumpla tres características: Be original. Igual que el eslogan, el claim no puede estar exento de creatividad. Cada campaña de publicidad debería tener su propio claim para evitar que se confunda con el eslogan de la marca. Si conseguimos que sea pegadizo, como el estribillo de una canción, nos aseguraremos de que se recuerde. Piensa en el momento. El claim debe ser adecuado para un determinado período de tiempo, el de la campaña al que pertenece. Analiza lo que quieres decir y a quién. Es vital que además de mantener la concordancia con el eslogan (no tendría sentido que ambos fueran contradictorios), pienses qué quieres transmitir y a quién. Vital un buen análisis de mercado previo, tanto nuestro como de nuestros competidores. Un caso de éxito Los anuncios de Loterías y Apuestas del Estado son un ejemplo perfecto. Cada año preparan una campaña diferente y un claim. Por ejemplo, en el año 2017 y en 2018 el claim fue "El mayor premio es compartirlo". Este año, la campaña de Navidad tiene como claim “Lotería de Navidad, el sorteo que nos une”. Aparece después de cada anuncio, en los anuncios de prensa, radio y televisión, como una frase que se repite para calarnos hasta que la recordemos. Taglines: el sello de identidad eterno Un tagline puede haber comenzado su vida como eslogan, como lo que le pasó a Nokia con “Connecting People”. Era tan fácil de recordar y tenía tanta potencia e identidad de marca, que terminó convertido en un tagline. Es fácil confundir el eslogan y el tagline, sobre todo si el primero tiene tanto éxito que termina formando parte imprescindible de la marca como lo segundo. “Think Different” es el tagline que lleva años acompañando a Apple. Todas sus campañas de marketing están bajo ese paraguas, pero cada uno tiene un claim diferente, como el del iPhone X, “Say hello to the future”, o el del iPhone 11 Pro, “It’s tough out there”. “Think different” es el cierre final de Apple, un elemento imprescindible y asociado a la marca de forma permanente. Era un eslogan, que alcanzó tal magnitud que ya es una prolongación misma del nombre. Ahora es mucho más, es la marca en sí. Se convirtió en un tagline que aparece siempre y que da más valor a la marca. Un buen tagline es aquel que te viene a la cabeza al oír el nombre de una marca. Eslogan, claim y tagline, son conceptos similares. Muchas veces los límites, simplemente, no quedan claros. Piensa en su uso. Lo fundamental es que estas frases cumplan su misión y sean atractivas y recordadas. Si tienes dudas, puedes escribirnos y te ayudaremos a conseguir tu objetivo.

Glosario de Branding

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Actitud Reacción favorable o desfavorable del público hacia una marca, su imagen y atributos. Se asocia con emociones y experiencias, condiciona el proceso de compra. Acrónimo Palabra formada por unión de elementos de dos o más palabras (docudrama, motel, emoticono, etc.). Siglas que se pronuncian como una palabra (AVE, ONU, Renfe, etc.) Anagrama Nueva palabra formada por transposición de letras de cualquier palabra original. En diseño gráfico es un símbolo formado por siglas o sílabas, resultado de un acrónimo (Inditex, Seat, etc.). Área de protección Espacio delimitado alrededor de un logotipo, permite resguardarlo de otros elementos gráficos y asegurar su legibilidad. Arquetipo Herramienta de marketing y branding que sirve para definir la personalidad de una marca en base a 12 personalidades prototípicas. Los 12 arquetipos de comportamiento marcan patrones universales de conducta y definen los valores y actitudes de una marca. Arquitectura Manera de la que una empresa organiza su catálogo de marcas, servicios y productos en el mercado para favorecer su posicionamiento. Las estrategias se diferencian por tres roles de marcas: monolítica, respaldada e individual. Atributos Características y aspectos tangibles que definen una marca o un producto y que crean asociaciones intangibles. La base para una estrategia emocional. Audiobranding Conjunto de sonidos utilizados de forma estratégica para construir una marca. Parte de marketing sensorial, sirve para conseguir la identificación automática de una marca con un sonido específico. Aplicaciones Representaciones gráficas de los elementos de branding en diferentes piezas de diseño, como papelería, materiales promocionales o formatos digitales. Benchmarketing Técnica de análisis y comparación de una empresa con otros líderes del mercado. Sirve para detectar oportunidades, amenazas y debilidades. Beneficios Logro percibido por el usuario al consumir un producto o servicio. Se pueden dividir en: Funcionales: destinados a satisfacer una necesidad universal, no dependen de las emociones de los clientes Emocionales: conectados con sentimientos y sensaciones, satisfacen los factores psicológicos del usuario Simbólicos: satisfacen la necesidad de autoexpresión social a través del consumo de marcas. Brand aversion Desconfianza del consumidor hacia los productos o servicios de una marca, causada por experiencia previa o prejuicio. Brand loyalty Fidelidad del consumidor hacia una marca. Preferencia creada por vínculos emocionales y satisfacción que influye su preferencia de marca. Branding Conjunto de procesos cuyo objetivo es construir una marca con valores y personalidad propia que la diferencie en el mercado y en la mente del consumidor. Branding interno Estrategia de comunicación centrada en los empleados. Transmite los valores e ideas de la compañía para convertir a los trabajadores en los embajadores de la marca. Branding sensorial Prácticas de branding enfocadas en reforzar la imagen de una marca con estimulación de diferentes sentidos, como tacto, olfato u oído. Brandjacking Fenómeno de apropiación de una marca por un grupo de consumidores que se identifican con ella, hasta el punto de considerarla su posesión. Briefing creativo Documento en el que el cliente aporta información sobre su empresa y sus objetivos, integran los detalles para determinar la dirección del proyecto. Cartera de marcas Conjunto de todas las marcas que pertenecen a una compañía. Claim Frase simple y directa que sintetiza los atributos de una marca y destaca su valor diferencial. Clean slate brand Marca poco conocida que intenta entrar en el mercado, percibida por el usuario como transparente. CMYK Código de colores para imprenta, cuatro cifras que indican la combinación de cyan, magenta, amarillo y negro (siglas de Cyan, Magenta, Yellow y Key). Co-branding Alianza de dos o más marcas con un fin de crear una oferta única sin perder su personalidad. Color primario y secundario Gama cromática de colores corporativos que se divide en colores principales que son protagonistas de la comunicación de una marca y en colores secundarios que los acompañan y completan. Cuadrícula tipográfica Plantilla de líneas horizontales y verticales que sirve para organizar todos los elementos tipográficos e imágenes. Se utiliza para establecer tamaños, proporciones, márgenes y contornos de un logotipo. Declaración de posicionamiento Texto breve que describe el posicionamiento estratégico de una marca. Debe especificar su propuesta de valor, posición que pretende ocupar en el mercado, principales objetivos y atributos. Descriptor de marca Definición de la actividad de la empresa ubicada bajo su logotipo. Permite identificar rápidamente la cualidad principal de un producto o servicio. Dilución Debilitamiento de capacidades distintivas de una marca conocida y pérdida de sus valores exclusivos. Ocurre a causa del uso no autorizado o erróneo por terceros. E-Branding Generación de prestigio y valores de marca mediante el empleo de estrategias digitales. Embajador de marca Persona con credibilidad y reconocimiento en el sector, contratada por una marca para representar y promocionar sus servicios o productos. Employer branding Estrategia de empresa que une acciones de RRHH y marketing para lograr reputación y reconocimiento como empleador de valor ante los empleados actuales y futuros candidatos. Epónimo Nombre de marca que gracias a su notoriedad se convierte en un nombre común que describe los productos de la categoría, por ejemplo: Kleenex, Rimmel, Jeep, Pan Bimbo. Eslogan Palabra o frase breve y creativa, fácil de memorizar, define la identidad de una marca o transmite una idea o valor. Se utiliza en sus mensajes publicitarios. Esencia de marca Características intangibles de una marca que la hacen única, lo más importante y representativo. Golden ratio Principio matemático que ha sido utilizado en el arte, la arquitectura y el diseño durante miles de años. Un indicador de la perfección y armonía en las composiciones. House of Brands Modelo de arquitectura de marcas en el que cada marca funciona independientemente a la empresa. HTML Código hexadecimal formado por una almohadilla y 6 cifras y letras, se utiliza para identificar los colores en el diseño web. Identidad de marca Valores y características que construyen la marca, definen su misión y crean un recuerdo específico en la mente del consumidor. Imagotipo Marca gráfica que combina el isotipo y el logotipo. La parte gráfica y el texto no se fusionan en uno. Isologo Marca gráfica en la que el icono y el texto están integrados uno en el otro de manera indivisible e inseparable. Isotipo Parte icónica o simbólica de una marca gráfica. Diseño que representa una marca sin necesidad de tipografía. Legibilidad Características de un texto que permiten su fácil lectura y comprensión. Imprescindible para una representación correcta de un logo en cualquier formato o tamaño. Logotipo Representación gráfica del nombre de una marca usando solamente composiciones tipográficas, sin otros elementos gráficos. Lorem ipsum Texto usado habitualmente en el diseño gráfico para previsualizar demostraciones de tipografías en diseños visuales. Lovemark Concepto cuyo objetivo es establecer vínculos emocionales entre una marca y sus clientes que va más allá de sus productos o servicios. Manual de identidad corporativa Documento que pone en orden todas las normas de aplicación gráfica de una marca, desde tipografías y colores hasta logotipos, aplicaciones e imágenes. Marca Identificación comercial de un producto, servicio o empresa y el conjunto de sus valores tangibles e intangibles. Diferencia a una empresa frente a otros competidores en el mercado. Marca blanca Línea de productos genéricos que pertenecen a una cadena de distribución, normalmente a un híper o un supermercado. Marca gráfica Conjunto de elementos gráficos que construyen el aspecto visual de una marca. Se divide en: logotipos, isotipos, isologos e imagotipos. Marca matriz Marca de referencia, la más importante en la jerarquía interna de una empresa. Dependiendo de su importancia, en la arquitectura de marcas se pueden distinguir: marcas monolíticas, marcas respaldadas y marcas individuales. Marca individual Estrategia de arquitectura de marca en el que cada submarca de la cartera de marcas de una empresa tiene su propia identidad, única e individual. Marca monolítica Modelo de arquitectura de marca en el que los productos o servicios no tienen identidades individuales, todos contribuyen a una “masterbrand” y comparten la personalidad de la marca genérica (como, por ejemplo, Virgin o FedEx). Marca respaldada Modelo que consiste en creación de sub-marcas con identidad propia para determinadas unidades de negocio bajo una marca matriz, que les agrupa y añade prestigio (como, por ejemplo, Marriott y sus diversas submarcas de toda la gama de precios). Misbranding Práctica de etiquetar a un producto de manera engañosa para que imite a otro o indique la cantidad incorrecta de un ingrediente para aprovecharse de la confusión del cliente. Misión Describe la actividad de una empresa en el mercado, la razón de negocio, a quién se dirige y cuáles son sus objetivos. Mockup Fotomontajes con los diseñadores gráficos y web pueden mostrar al cliente cómo sus diseños quedarán en diferentes soportes, como una tarjeta de visita, un folleto o una web. Monograma Símbolo formado por representaciones gráficas de una o varias letras, normalmente iniciales. Naming Proceso creativo cuyo objetivo es elegir el nombre de una marca. Neologismo Palabra inventada, sin significado previo, creada para nombrar un nuevo concepto. Noa Términos que no se perciben de manera negativa en los idiomas y culturas consideradas. El proceso de naming debe asegurar que el nombre de marca sea noa. Notoriedad de marca Capacidad que tiene una marca de permanecer en la memoria de un consumidor. Offset Técnica de impresión comúnmente utilizada en publicidad. Overbranding Uso indiscriminado de nombres de marcas en propiedad. Es decir, el exceso de uso logos o emblemas de la marca. Pantone Sistema que hace posible identificar los colores mediante un código. Personal branding Aproximación al individuo como una marca que debe desarrollarse de manera similar a las marcas comerciales. Personalidad de marca Conjunto de rasgos descriptivos que se asocian a una marca (carácter, emociones, etcétera). Place branding Creación de una identidad de marca en un lugar. Puede hacer referencia a un municipio, región o país. Plataforma de marca Compendio de atributos de distinto tipo que configuran y definen a una marca. Posicionamiento Percepción de la marca frente a la competencia por parte del consumidor. Propuesta de valor Diferencial que hace a una oferta atractiva y única. Reason to believe Motivo o razón que hacen que el consumidor crea en la propuesta de valor. Reconocimiento de marca Capacidad de un consumidor de reconocer una marca tras una exposición previa a la misma. Rebranding Rediseño de la identidad de una marca mediante diversas acciones como el cambio de logo o nombre. Retícula Estructura para organizar contenido web muy empleada en diseño gráfico. Responsabilidad Social Corporativa Acciones de una empresa orientadas a mejorar la sociedad, el medio ambiente o el bienestar de sus empleados. RGB En inglés de red, green, blue. Es un modelo que permite crear cualquier color mediante la mezcla de estos. Sangría Introducción de espacio extra en blanco para marcar el inicio de un párrafo. Serigrafía Sistema de impresión utilizado ampliamente en publicidad. Secuencia de tintas Orden en el que se imprimen las tintas en un trabajo. Submarca Forma de diferenciar un producto o explorar nichos de mercado mediante la dotación de una identidad de marca individual a un producto o grupo de productos de una marca. Tagline Descripción sintética que acompaña a una marca. Se caracteriza por ser ingeniosa y fácil de recordar. Tipografía Estudio de los caracteres de un texto desde el punto de vista visual y de diseño. Tono de voz Aspectos comunicativos, visuales y de registro que identifican a una marca. Top of heart Preferencia emocional o apego hacia una marca por parte del consumidor. Top of mind Primera marca en la que piensa un consumidor cuando se le refiere a un producto o servicio. Underbranding Agrupación de productos muy diferentes bajo una marca, lo que provoca confusión por parte de los consumidores. Valor de marca Valor y expectativas asignados a un producto por parte del consumidor Visión Las metas que la empresa quiere conseguir en el futuro. Deben ser realistas y alcanzables.

Guía rápida para crear un manual de identidad corporativa

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Un manual de identidad corporativa define las normas de aplicación de los elementos gráficos de una marca para mantener su coherencia visual y comunicativa. Resumiendo, sin un manual tu marca está vendida. La identidad de tu marca es la personalidad de tu empresa. Es lo que la hace destacar en la mente del consumidor y diferenciarse de la competencia. Un manual de identidad corporativa se encarga de poner en orden todas las normas de aplicación gráfica de tu marca, desde tipografías y colores hasta logotipos, aplicaciones e imágenes. Es una herramienta de referencia que explica cómo una empresa se presenta al mundo a través del diseño. Crear una guía visual tiene dos ventajas principales: garantiza coherencia y ahorra el tiempo. La consistencia es la clave para crear una imagen de marca coherente. Cualquier negocio necesita crear piezas de comunicación, como newsletters, imágenes para las redes sociales o anuncios online. Un manual de referencia permite recopilar toda la información para que cualquier persona tenga acceso a ella en cada momento y pueda seguir los mismos criterios a la hora de realizar los diseños. A continuación te presentamos los elementos básicos que debe tener tu manual de identidad corporativa: 1. Definición y filosofía Antes de crear una guía de estilo hay que conocer bien la marca. El primer apartado debe explicar los conceptos básicos, tales como la misión, visión, personalidad y valores fundamentales. Se trata de captar la esencia de la marca en unas pocas líneas de texto. 2. Moodboards Un collage de imágenes inspiradoras ayuda a visualizar los conceptos que se esconden detrás de la creación de la marca. 3. Logos El logo es el elemento más reconocible de una marca. Esta sección del manual garantiza el correcto uso de tu logotipo en cualquier soporte. Aquí hay que detallar cómo y cuándo se pueden utilizar sus diferentes versiones. Para prevenir aplicaciones erróneas que podrían transmitir un mensaje equivocado es necesario especificar los siguientes elementos básicos: Anagrama o símbolo: elemento gráfico que forma parte del logo que representa uno o varios conceptos. Marca: signo distintivo cuya principal función es la de diferenciar y hacer únicos a los servicios de la empresa frente al resto de competidores. Tagline: frase breve diseñada específicamente para expresar de manera ingeniosa e inteligente la propuesta de la marca. Retícula y zona de protección: una guía que ayuda a reproducir el logo en cualquier dimensión y soporte. Establece un espacio vacío proporcional alrededor del logo para asegurar su legibilidad. Tamaños mínimos: el mínimo tamaño recomendado para usar un logotipo sin perder su legibilidad en impresión offset, serigráfica y digital. Marca en positivo y en negativo: en blanco sobre fondo negro y en negro sobre fondo blanco, para señalar qué variante de color se debe usar sobre fondos claros y oscuros. Marca sobre colores corporativos y sobre imagen: una muestra de cómo se debe presentar la marca sobre diferentes colores corporativos e imágenes. Usos indebidos: detalles de cómo no deben aplicarse los elementos gráficos de la marca, cómo deformaciones, cambios de colores o tamaños incorrectos. 4. Colores corporativos La elección de los colores corporativos principales y secundarios es uno de los elementos más importantes del branding. El manual debe especificar una muestra de colores, utilizando referencias tanto para material impreso como para soportes digitales. Para imprenta se usan dos códigos diferentes: Pantone: el catálogo de colores más utilizado en el mundo. El uso de las referencias de Pantone asegura que el color impreso siempre será igual al elegido en la muestra. CMYK: son cuatro cifras que indican la combinación de de cuatro colores: cyan, magenta, amarillo y negro (siglas de Cyan, Magenta, Yellow y Key). El equivalente de un color de Pantone no siempre será exactamente igual en CMYK. Para pantallas se usan otras dos referencias: RGB: una combinación de tres colores primarios (rojo, verde y azul). Hay que especificar los equivalentes de los colores Pantone y CMYK para poder visualizarlos bien en los soportes digitales. HTML: el código hexadecimal formado por una almohadilla y 6 cifras y letras. Se utiliza para identificar los colores en el diseño web. Acuérdate que todos estos colores pueden variar un poco en cada soporte. La mejor estrategia es elegir primero un color para imprenta y buscar sus equivalentes digitales. 5. Sistema tipográfico Cualquier marca tiene su propia combinación de tipografías corporativas: una principal del logotipo y otra, secundaria, para el cuerpo de los textos. Un manual de identidad especifica la familia tipográfica (si es regular, en negrita o en cursiva) y los tamaños (h1, h2, h3). Muestra las tipografías utilizando todos los caracteres: las letras del alfabeto en mayúsculas y en minúsculas y los números del 0 al 9. Incluye también ejemplos de aplicación de cada una de ellas en titulares, en textos secundarios y los botones de CTA en la web. 6. Fotografías y elementos gráficos Este apartado es indispensable para todo negocio que suele utilizar las elementos como fotografías, iconos o ilustraciones como un recurso en su comunicación. Concreta el estilo de imágenes que se pueden usar y pone ejemplos que encajan con el tono de la marca. Define también los tamaños y el uso correcto e incorrecto de: Fotografías corporativas: su estilo y mensajes que deben transmitir Iconos e ilustraciones: conjuntos que encajan con el estilo de la marca Patrones: imágenes utilizados para crear fondos 7. Aplicaciones Una sección con las aplicaciones de todos los elementos especificados previamente en diferentes publicaciones es lo que completa un manual de identidad. Dependiendo del estilo de cada negocio se pueden incluir diseños en papelería, como las tarjetas de visita, folletos y sobres, en material promocional, como camisetas y bolígrafos, o en diferentes formatos del packaging. Aquí se presentan también ejemplos de formatos digitales: banners de anuncios, creatividades de redes sociales y elementos de la web. Todo esto explica el uso de la marca, las tipografías y los colores corporativos en ejemplos visuales de diferentes aplicaciones on- y offline. La extensión de un manual de identidad depende de las necesidades cada empresa. El objetivo principal es crear una guía que detalle una identidad visual consistente y que pueda ser un punto de referencia para cualquier proyecto de diseño en el futuro. Si quieres mejorar la imagen de tu negocio y necesitas contar con expertos para crear una estrategia de branding, no dudes en contactar con nosotros. Estaremos encantados de ayudarte con tu marca, ¡escríbenos! Fotografía principal: MontyLov

Logos de marcas transformados en su versión femenina.

design, tendencias

En conmemoración del día internacional de la mujer del año pasado #iwd2018, muchas marcas quisieron homenajearlo haciendo una llamativa campaña online y en algunos casos offline. Bisturí e Illustrator en mano, transformaron sus marcas a su versión más femenina. Os presentamos 10 ejemplos de marcas más conocidas. MCDONALD'S Con este sencillo gesto, darle la vuelta a su logo, Mcdonalds lanzó el año pasado un campaña de marketing en EEUU, cambiando tanto carteles, como posters, packaging...no escatimó en gastos. Fue uno de los ejemplos más sonados, tanto por lo importante de la empresa como la escala de la campaña. Paso a paso, Mcdonnals, paso a paso. MTV MTV también se apuntó a la tendencia y modificó su logo al igual que Mcdonald's, dándole la vuelta a modo de W ( Woman en inglés). Lanzó esta propuesta en los perfiles de sus diferentes redes sociales. MTV es una empresa dirigida a un publica mayoritariamente joven y es interesante que se involucren en este tipo de iniciativa de inclusividad y diversidad. MONOPOLY La organización Creative Equals, cuyo objetivos es apoyar a las mujeres y promover la diversidad en la industria creativa, lanzó también una campaña con el eslogan “Here’s to more women” en la que reemplazan icónicos logos de diferentes marcas en su versión femenina para hacer foco en la desigualdad de género que se hace patente en las marcas y el branding. Logos como Monopoly, Pringles,Dreamworks...fueron candidatos. Aquí podemos ver el cambio, no solo en género sino también...de edad?, parece que esta señora monopoly aún sigue algo más estereotipada de lo que parecía. JOHNNY WALKER Johnny o más bien Jane Walker apareció en conmemoración de este día para presentar este nuevo producto, una sencilla adaptación de su logo tan característico, el conocido como “caminante” ,un caballero muy elegante y refinado al mejor estilo del siglo XX. La marca a su vez también presentó la exhibición Signs of Progress en la Sociedad Histórica de Nueva York, una exposición para exponer diseños de carteles para manifestaciones a favor de la lucha feminista por todo Estados Unidos. GIGANTE VERDE “Gigante Verde” ha optado por una pequeña transformación de su logo feminizando los rasgos del fuerte gigante que representa su marca, afinandolos pero sin perder su esencia fortachona. Es sutil pero en cierto modo representativo de las diferentes tipologías del cuerpo femenino, por lo menos nos nos hemos encontrado una barbie verde. DREAMWORKS Este también es un trabajo de la organización Creative Equals, se trata del logo de DreamWorks Animation SKG, Inc. es un estudio de animación estadounidense, que produce principalmente películas animadas, entre las cuales se encuentran Shrek, Madagascar… Es interesante que tengamos muy presente estas muestras de desigualdad en el diseño en productos y marcas dirigidas a niños ya que puede ser difícil aun a tempranas edades, filtrar estos detalles que además pueden mantenerse de forma inconsciente en su vida adulta. Si te venden que eres una princesa a rescatar puede que ese pensamiento te acompañe siempre. Afortunadamente actualmente se están observando nuevos cánones en diseño de personajes y guiones en esta industria. KFC Claudia Sanders se convirtió en la protagonista ( al menos por un día) de la famosa cadena de restaurantes KFC. Esta campaña se llevó a cabo en las redes de la sede en Malasia, donde el 57% de los empleados son mujeres. Es por eso que la dirección expresó que era justo reconocer el trabajo que ellas hacen. Según el tweet publicado por KFC Malasia, Claudia Sanders fue la esposa del coronel Sanders, que da imagen a la marca, fue él quien le dio al mundo su receta secreta de pollo frito pero era ella la que mezclaba las especias... PRINGLES El logo de la marca de patatas deshidratadas también fue candidato para la transformación. Para su lanzamiento comercial se creó la conocida mascota con un característico bigote, "Julius Pringles", diseñada por Louis R. Dixon. En este caso se trata de una transformación algo estereotipada con pelo largo, labios pintados y pestañas pero es cierto que en un logo tan cartoon y esquemático resulta coherente mantener este estilo. BODEGAS TIO PEPE Hemos querido también representar uno de los productos más típicos españoles y uno de los iconos que también ha tenido más representación fuera de España, bodegas “Tio Pepe”. Fue obra de Luis Pérez Solero, dibujante, músico y poeta, fundó en el año 1929 Impera SL, posiblemente una de las Agencias de Publicidad más antiguas de España. Con la misma gracia y salero, queda imortalizada su versión femenina andaluza y flamenca. VOLVO El logo de esta prestigiosa marca de coches Sueca, desde su origen pasando por su evolución a lo largo de los años fue habitualmente criticado por asociaciones feministas por la utilización del símbolo masculino, lo que no dejaba de asombrar a los empresarios suecos y explicaban que era un origen muy diferente, el dios marte sujetando un escudo y una flecha. Sea como fuere y ya que no es bueno meterse en discusiones hemos encontrado una alternativa inclusiva para Volvo, de nada. CONCLUSIONES ¿Qué es lo que nos lleva a pensar estas acciones de marcas? Se habló mucho el año pasado de estas modificaciones del diseño a la que se apuntaron multitud de marcas. A muchos les pareció una iniciativa potente y que ayudaba a dar visibilidad en los medios al movimiento feminista, otros que no era más que llamar la atención en redes y que no había un compromiso real por parte de estas marcas y asociaciones. Bueno, aunque podemos ver que hay un poco de todo, más comprometidas y menos, es esperanzador saber que estamos empezando a ser conscientes de cómo, de forma sutil, esta desigualdad sigue pesando en nuestra sociedad y que debemos empezar a derribar estos muros en lo que nos rodea día a día, como esta lata de guisantes que seguro tienes en la despensa. Estaremos atentos este año de las novedades de branding y las acciones de marketing que nos tienen preparadas. Fotografía principal: Max Ostrozhinskiy

Los mejores diseños de carteles de cine de la última década

Los 12 mejores diseños de carteles de cine de la última década

design, trends

¿Qué es una buena película sin una buena presentación? Eso sería precisamente lo que pensarían productores, directores y demás personas relacionadas con el mundo del cine. Gracias a ello nosotros hemos podido disfrutar de diseñadores y artistas poniendo su granito de arena en estas producciones, al igual que lo hicimos con los discos en nuestro artículo que repasaba las mejores portadas de la historia de la música. Ha llovido mucho en la historia de los carteles de cine pero en la actualidad podemos encontrar muy buenos ejemplos de cómo se trabajan diferentes estilos y de las tendencias en el mundo del diseño hoy. Presentamos una lista de algunos carteles de los últimos años que nos han sorprendido gratamente. El lobo de Wall Street El j***** mejor p*** cartel de la historia, j****! No descuidemos las formas, pero es una manera muy apropiada de describir el cartel de esta película de Scorsese. Este cartel fue un trabajo de la agencia BLT Communications, encargada de otros trabajos como Alita o Stranger Things, entre otras. Una de las míticas escenas de la película se sitúa en un despacho de brókers que escuchan absortos una charla motivadora de su jefe (Leonardo Dicaprio) y luego una imagen de este mismo escenario donde los personajes se encuentran perdiendo totalmente el control. Lo que podemos ver en el cartel es un fotograma de ese descontrol mientras delante nos mira desafiante su protagonista, resumiendo muy bien todo el mood del film. El Renacido Si analizamos un poco el uso del color y la composición, podemos apreciar el aire general de la película y sobre todo el frío. Mucho frío. Aunque en el cartel optaron por el retrato del protagonista en vez de los magníficos paisajes, me gusta el contraste elegido que hacen esas líneas rojas frente al frío azul del rostro y del fondo. En general me transmite con fuerza la dureza de la situación y los percances a los que se tuvo que enfrentar de nuevo Leonardo Dicaprio. Al fin y al cabo con esta peli se llevó el Óscar, y mira que tuvo que sufrir para conseguirlo. Moonlight Este cartel (y muchos otros) fue diseñado por el director de arte Steve Reeves para la agencia InSync Plus, que es responsable de otros trabajos como Gorrión Rojo y Star wars: Los Últimos Jedi. Se trata de la fusión de tres caras formando una sola, la del protagonista, en las tres fases de su vida que narra la historia: infancia, adolescencia y madurez. Según el propio Reeves, el cartel salió a la primera casi sin ninguna modificación en el arte, solo unos ajustes de color, lo cual es sorprendente para el que se dedica a esta industria. El Gran Hotel Budapest Para este diseño jugaron con la forma de una antigua recepción de hotel a modo de presentación de los actores que participan en la película. El uso del color en general en esta película es muy interesante, oscilando entre los cálidos, los rosas y rojos, y los azules. Me recuerda un poco al esplendor de la antigua Rusia con sus grandes familias de la aristocracia. La tipografía también acompaña al cartel con un toque clásico, gracias a la serifa, pero dándole un giro un poco más contemporáneo con la forma y con la fuente más estrecha. El diseño del Gran Budapest se basó en hoteles reales de la zona de Europa del Este. Uno de ellos, el Hotel Palace Bristol, fue la inspiración para el color pastel rosa del hotel ficticio. Mother! Existen varios carteles para esta película pero el más interesante es el de la protagonista, Jennifer Lawrence, que se encuentra ilustrada evocando una imagen bucólica y cargada de simbolismo que bien me quiere recordar a Frida Kalho o a Dalí. De hecho está rodeada de flores pero sosteniendo un corazón ensangrentado entre sus manos. Estos carteles causaron gran sensación cuando salieron y nos vinieron de la mano de James Jean, ilustrador de origen taiwanés. La tipografía, a mano alzada y encima con la exclamación, nos despiertan una sensación de fuerza, drama y pasión. Isle of Dogs Diseñado también por BLT communications, que además de la cartelería, desarrolló la campaña para redes, vídeos y demás material publicitario. The Isle of Dogs es una película de animación dirigida por Wes Anderson que está ambientada en un futuro distópico situado en Japón, en el que debido a una enfermedad como la gripe canina todos los perros han sido desterrados a una isla. Me llama la atención la influencia de la estética japonesa en el póster, tanto en los colores, como por supuesto y lo más llamativo, en los caracteres japoneses que traducen tanto el título como el nombre de todos los actores. Sí, hasta los americanos. Igualmente el uso de la composición vertical que se utiliza en el cartel está asociado a la cultura y escritura japonesa. Birdman Como si de una ilustración de superhéroes clásica se tratase, con un estilo más parecido a la serigrafía por los espacios de color plano, se presenta al protagonista de nuestro cartel. Birdman narra la historia de Riggan Thomson, un actor en decadencia que no consigue deshacerse de la obsesión por su antiguo papel que le dio la fama. La encarnación del superhéroe que aún le ronda en la cabeza, aquí literalmente la vemos plasmada en el diseño. Flatliners Este cartel también es bastante interesante. Juega con el efecto de la doble exposición, es decir, mezclar dos fotografías en el mismo fotograma. Además desfasa sutilmente los canales de los que se compone el color, de ahí que en una se pueda ver más azul y en otra más rojo. Gracias a este efecto, los protagonistas se muestran por una parte en un estado de inconsciencia y a la vez sufriendo situaciones cercanas a la muerte, todo debido experimento al que van a someterse. Drive Me llama la atención este cartel por dos cuestiones algo contrapuestas a mi entender. El estilo de la película es neo-noir, pudiendo ver en una pose de tipo duro al misterioso “The Driver”, el protagonista de la película. Pero luego nos encontramos una tipografía más ochentera de color rosa que nos sitúa en otro contexto. Si bien la película está ambientada en una época más actual, conserva ciertos rasgos de las películas de cine negro de antaño. La la land Este cartel ha sido diseñado por la agencia londinense All City y fue publicado para el Festival de de Cine de Venecia en Agosto del 2018. Representa una mítica escena de la película en la que los protagonistas intiman después de una fiesta. La escena llamada “a lovely night”, es un número de baile al anochecer muy al estilo hollywoodiense. ¿No es la misma farola que en “Cantando bajo la lluvia”? En fin... El equipo se centró en reducir la escena a una sola imagen para el cartel y plasmar ese cielo tan característico de la hora mágica. Her Lo primero que me llama la atención de este cartel es la buenísima combinación de colores. El rojo que casi nos golpea diciendo 'romanticismo' contrasta con los ojos de protagonista, que parece que nos mira con cara de melancolía y tristeza diciendo “algo de esto no va a salir muy bien”. Esta aparente sencilla combinación de elementos gráficos consiguen comunicarnos de forma efectiva el tono general de la película que tanto gustó a la crítica. Enemy En este cartel encontramos algunas sutiles pistas que nos desvelan parte de la trama. Primero la “N” en la tipografía está ligeramente inclinada en modo itálica que nos induce a pensar en algo paralelo. Luego lo complementas con la fotomanipulación en la que de la cabeza del protagonista sale esa misteriosa ciudad. Y por último una araña, o algo asi, que aparecerá como un símbolo más adelante en la narración. Bueno, en ese punto de la peli ya empiezas a sospechar. Encontrarse con tu doble en la vida real, normalmente contrario a ti, nunca es una buena señal. Esta es la premisa de la historia que nos narra este thriller psicológico dirigido por Denis Villeneuve. Tras haber hecho un pequeño repaso de algunos de los carteles que considero más relevantes, podemos reconocer la importancia que se le da actualmente a su diseño. No solo por ser la carta de presentación y nuestro primer juicio de valor a la hora de elegir película, sino que además los carteles nos enseñan grandes soluciones gráficas para comunicar las ideas tan complejas de algunos argumentos. Aunque esta lista puede parecer corta, si profundizamos descubriremos gran cantidad de buenos diseños (y algunos malos por supuesto) en toda la historia del cine. Fotografía principal: Max Ostrozhinskiy

Libros en una estantería colgada de un árbol en medio del bosque

10 libros imprescindibles para diseñadores gráficos

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En el universo del diseño gráfico puede parecer que todo está inventado. Nuestro reto como creadores o productores de este nuevo arte es plantear proyectos diferentes, especiales, exclusivos, propios. Diferenciar tu diseño del resto con tu toque personal es, probablemente, nuestro mayor desafío. Para ello he recopilado las que, a mi juicio, son las obras más completas de los grandes expertos que dominan las diferentes ciencias o saberes aplicables a este sector. En ellas he encontrado lo que considero gran parte del conocimiento necesario para ilustrarnos en nuestro complejo propósito y encontrar la auténtica inspiración. Espero que las disfrutéis tanto como lo he hecho yo. Ahí van: “Psicología del color”, de Eva Heller La alemana Eva Heller fue una socióloga, psicóloga y profesora de teoría de la comunicación y la psicología de los colores. En base a sus experimentos, escribió el libro de la psicología del color, en el que explica cómo pueden llegar a afectar a los estados de ánimo cada uno de ellos. Para ello se consultó a una muestra de hasta 2.000 personas de toda Alemania. Una de las conclusiones que sacó fue que cada color actúa en cada persona de forma diferente, para algunas personas el color verde, por ejemplo, puede ser saludable; en cambio, para otras, tranquilizante o incluso venenoso. Es por ello que este libro es ideal para saber de qué forma podemos llegar a usar un color: desde un diseño de una carta de un bar hasta un logo de una gran empresa. “Manual de tipografía”, de John Kane John Kane, profesor de tipografía y diseño en una importante universidad de Boston, es autor de varios libros muy reconocidos. Este ejemplar es una introducción para cualquier estudiante y diseñador gráfico sobre principios básicos de la tipografía, desde la historia, pasando por la teoría y la práctica. La segunda edición revisa contenidos de la primera y añade varios detalles importantes como la composición de textos, la elección de letras y el uso de color en ellas. Es un libro ideal para saber diferenciar y escoger diferentes letras en base al uso que se les quiera dar. Y recuerda que por mucho tiempo que pase hay tipografías que nunca pasan de moda. “Historia del diseño gráfico”, de Philip Meggs El diseñador gráfico, profesor e historiador Philip Meggs es autor de varios libros sobre el diseño gráfico. Este libro es esencial para todos aquellos que quieran tener un conocimiento sobre el diseño gráfico en la historia. Fue uno de los primeros educadores en crear una visión general sobre la historia del diseño gráfico que no dependía exclusivamente de la estructura. En este libro no solo encontrarás diseño de la tipografía moderna, si no también capítulos que versan sobre los orígenes de la impresión y la tipografía, así como la invención de los alfabetos y la escritura. “Las leyes de la simplicidad”, de John Maeda El diseñador gráfico John Maeda, artista visual y científico informático, ha escrito este libro para explicarnos el porqué la industria debe crear más artilugios fáciles de usar, dado que eso es lo que buscamos hoy en día: la simplicidad y sencillez, pero con sentido. Cada vez somos más los que queremos, con un simple elemento, hacer más aún; por ejemplo, el teléfono móvil: queremos un dispositivo que nos comunique con los demás, pero que también tenga internet para buscar información o incluso llegar a ver una película. Todo en uno. Maeda nos cuenta aquí cuales son las 10 leyes de la simplicidad y la más importante para él es la 10, LA ÚNICA: “La simplicidad consiste en sustraer lo que es obvio y añadir lo específico”. “El arte de mirar hacía los lados”, de Alan Fletcher Alan Fletcher, uno de los diseñadores gráficos más influyentes de su época, es uno de los socios fundadores de la mítica consultora independiente de diseño Pentagram. Como es de esperar, este libro roza prácticamente la perfección hablando de tipografías, espacios y demás elementos. Lo que más llama la atención de esta obra es que, para hacerlo, no repite ni una sola página tipográficamente. Fletcher describe este libro como una “colección de fragmentos”; hay más de 1.000 citas de otros diseñadores, escritores y artistas que le han servido como inspiración, además de gran cantidad de anécdotas. El libro no tiene ni principio ni final, está escrito especialmente para poder leerse desde cualquier página, sin importar desde donde se abra, y para dar una visión diferente a todo aquel que lo lea, no solo a los profesionales del ámbito del diseño, si no a un nivel más personal. “Psicología para creativos”, de Frank Berzbach Frank Berzbach es profesor de psicología y pedagogía. En este libro te explica como sobrevivir al trabajo, desde trabajadores en casa hasta en la oficina, además de como conservar el ingenio y las expectativas hacia los clientes. Así mismo, analiza con humor los factores que condicionan al rendimiento y a cómo gestionar el tiempo de forma productiva. “Cómo ser diseñador gráfico sin perder el alma”, de Adrian Shaughnessy Adrian Shaughnessy, diseñador y escritor, nos da consejos desde su experiencia de cómo hacer trabajos que nos llenen psicológicamente y además ganar dinero con ellos. Un libro de autoayuda, podría decirse, pero argumentando con precisión las ventajas y virtudes de ser diseñador gráfico; desarrolla también cómo montar tu estudio desde 0 añadiendo los problemas que hay a la hora de buscar trabajo, clientes y trabajadores. “Designing Brand Identity: An essential guide for the whole branding team”, de Alina Wheeler Alina Wheeler es una diseñadora de marcas que ha escrito este bestseller que ya va camino su 5ª edición. El libro también está en español bajo el nombre de “Diseño de marcas”. Es un libro dividido en 5 partes que describen el paso a paso de forma fácil y sencilla. Describe tanto cómo crear una marca desde cero, como dar impulso a las que ya existen. Alina, en este libro, también nos da unos métodos efectivos para lograr la inspiración, así como una serie de herramientas para alcanzar el éxito en diseño de marcas. Es un libro muy recomendado que debería de estar en cualquier estantería de cualquier diseñador. “Know your onions: How to Think Like a Creative, Act Like a Businessman and Design Like a God”, de Drew de Soto Drew de Soto es propietario de Nancy Victor Gallery y director de Navig8 Ltd. Este libro está escrito, como su propio nombre indica, para mostrar el camino a todo aquel que quiera ser un gran hombre de negocios, a la vez que un gran diseñador gráfico, y a pensar como un creativo. Es un libro práctico y rápido de leer, sin complacer a los demás ni tampoco muy técnico. “Grid Systems in Graphic Design”, de Josef Müller Brockmann Josef Müller fue un diseñador gráfico y profesor universitario. Este libro también está en español bajo el nombre de “Sistemas de retículas”. Aborda la composición de la tipografía ya sea en revista, libro, catálogo, etc. Este libro busca la armonía entre el diseño gráfico de la tipografía y las imágenes e ilustraciones que puede haber en cualquiera de sus formas. Fotografía principal: Hitoshi Suzuki

Las diseñadoras gráficas españolas más influyentes

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Cuando mi compañero, para hacerse el guay y parecer moderno, me propuso que escribiera un artículo sobre mujeres diseñadoras, de lo que no se estaba dando cuenta es de que en la vida se habría planteado hacer una lista de diseñadores hombres. Sí amigas, parece que las mujeres todavía tenemos que competir en una disciplina aparte para algunos. Bueno, como mi compi es un tío genial y sé que no es un capullo arrogante, no se lo tengo en cuenta, no había mala fe. Eso sí, le voy a dar en toda la cara con esta lista de diseñadoras e ilustradoras high level. Laura Alejo Diseñadora gráfica e ilustradora de Barcelona, Laura estudió diseño gráfico y diseño de producto en la Escola Massana, haciéndose un hueco en el sector gracias a sus ilustraciones coloridas y frescas. Ha expuesto sus trabajos en muchos países around the world. Además, estos diseños han aparecido en publicaciones a nivel internacional como por ejemplo: Los Logos, Advanced Photoshop, Gráficos, Enter Español Creatividad o Editorial, hecho y distribuido en España. Esta diseñadora barcelonesa, siempre ha demostrado un espíritu apasionado y con mucha iniciativa. Mientras estudiaba creó Copyright Magazine, una revista sobre diseño gráfico que se convirtió rápidamente en un medio influyente tanto para estudiantes como para profesionales. Así, gracias a sus pubicaciones se mantenían al día de las últimas tendencias en diseño gráfico e innovación del sector. En 2006, una vez acabados sus estudios, fundó su propio estudio con sus socios de la revista Copyright Magazine. Durante esta etapa, se dedicó a investigar y comenzó a trabajar con motion graphics, trabajando para grandes empresas como MTV Italia, Paramount Comedy o Canal +. Un año más tarde decidió mudarse a la Gran Manzana para cumplir su sueño y llegar a lo más alto del panoraba del diseño. Tras unos meses trabajando como freelance, se unió a HUSH, un estudio multidisciplinar que trabaja con varias plataformas. Durante sus 4 años como miembro de la agencia, trabajó para empresas de la categoría de Nike, Sony Ericsson, Nokia, IBM o Discovery Chanel. Logró su sueño y se situó en la cumbre de la industria del diseño gráfico, codeándose con los mejores. En la actualidad trabaja como freelance en su estudio Greenpoint para clientes de todo el mundo. Es de destacar su trabajo como ilustradora no comercial, una faceta que Laura ha desarrollando en los últimos años. En el año 2013, dió vida a los personajes del cuento infantil, "Leo Packs a 1, 2, 3" escrito por Carolina Paiz. Monika Buch Aunque valenciana de nacimiento, Monika Buch lleva más de 50 años viviendo en Holanda. En 1956, ingresó en la famosa escuela de diseño Hochschule für Gestaltung en Ulm, Alemania, heredera del Bauhaus. Hasta el momento es la úncia española que ha estudiado en esta academia. Años más tarde dicidió continuar su formación en la Universidad de Utrecht, Holanda, y realizar la carrera de pedagogía y psicología infantil. Durante sus últimos años universitarios trabajó creando juguetes para la fabrica ADO, aplicando los conocimiento adquiridos sobre los comportamientos de los niños. En el año 1983, decidió empezar a trabajar por su cuenta como artista, combinandolo con el diseño. En todos sus trabajos lo que más destaca es la combinación de formas y colores, basadas en ilusiones opticas, clara influencia de su formación académica. Ana Gómez Bernaus Ana Gómez Bernaus nació en Barcelona en 1980 y estudió en Elisava. Sus primeros diseños estuvieron inspirados en el modernismo catalán, un movimiento de arte y literatura que surgió a principios del siglo XX. En Barcelona la ilustración la cautivó pero después de mudarse a New York en 2009 se enamoró de la tipografía; y ahora viviendo en Los Angeles combina ambas disciplinas diseñando Lettering colorido y de formas inimaginables que la hacen única. Sus diseños se pueden encontrar desde titulos de peliculas hasta campañas publicitarias y editorial. Ha trabajado para clientes como Converse, Nike, Trident, State Farm, Kia Motors, Direct TV, Polk Audio o JWT. Recibió el Certificado de Excelencia Tipográfica de Type Directors Club en 3 ocasiones, el premio de Tipografía de Artes de Comunicación en 3 ocasiones también; y la competencia de prototipos SOTA y TypeCon en 2016. Su trabajo ha aparecido en varios libros y publicaciones en los EE. UU. y Europa, incluidos Adobe Create, Domestika, AIGA's Eye On Design, Graffica y Etapes. Además de su trabajo de lettering, imparte talleres de rotulación dimensional con Type-Ed en Los Ángeles y es miembro de la junta directiva de Type Directors Club y del consejo de asesores de Cinema Eye Honors "Kitchen Cabinet". Pati Núñez Pati Núñez nació en Girona en 1959 y en 1962 su familia se trasladó a Barcelona donde estudió diseño gráfico en la Escuela Eina, donde y donde pasó a ser profesora después de acabar sus estudios. Un año después empezó a trabajar como diseñadora gráfica con Toni Sellés y en 1991 se incorporó a AD (Associate Designers) durante 2 años. En 1995 creó Pati Núñez Associats y se especializó en imagen corporativa, imagen de producto y campañas de comunicación gráfica. Ha sido la primera mujer en ganar el Premio Nacional de Diseño en 2007. Ha realizado proyectos para System Action, Loewe, Mango, Opel, Caixa de Catalunya, Colegio de Arquitectos, Danone, Acosta, Ayuntamiento de Barcelona, American Prints, Antonio Miró, Big Ben, Zebra, entre otros. También ha ganado once trofeos Laus y el Premio Nacional de Cultura de la Generalitat de Catalunya. Laura Meseguer Laura Meseguer nació en Barcelona en 1968 y estudió diseño gráfico en l’Escola d’Arts i Oficis Aplicats Llotja en 1988. En el 2003 cursó el master de diseño Type and Media en La Haya, Holanda y en 2010 obtuvo su licenciatura de diseño en la Universidad de Southampton-Winchester School of Arts y en la Escola Elisava de Barcelona. En 1989 trabajó como ayudante de director de arte en Dayax Testa y en 1990 comenzó a trabajar en Ogilvy & Mather. En 1994 empezó a trabajar en el estudio de Pati Nuñez, hasta que en 1996 fue diseñadora y cofundadora de Cosmic. Desde 2004 da clases en las escuelas de diseño Elisava y Eina sobre tipografía y diseño; y desde 2011 también es profesora en la escuela de diseño BAU. Ha realizado conferencias y talleres desde 1997 en varias ciudades de España, así como en Estocolmo, Lurs, Viena, Berlín y Copenhague. También desde 1995 ha realizado varias exposiciones tanto en España como fuera. Se especializa en el diseño de tipografías, ha diseñado varias como Adelita, Cortada, Frankie, Lalola, Gallard, Girard Sansusie, Holiday Sans, Rumba, Guapa y Multi. Las cuales puedes encontrar en su pagina Type-Ø-Tones, además de hacer productos con tipografía que se pueden comprar en la tienda online Tipofino. Es la autora de TypoMag, Typography in Magazines publicado por IndexBook el cual obtuvo un Premio Laus en el diseño del Libro además de recibir muy buenas críticas y coautora del libro “Cómo crear tipografías, del boceto a la pantalla” publicado por Tipo E. También está involucrada con Alphabettes.org, un escaparate para el trabajo y la investigación sobre letras, tipografía y diseño de tipo por mujeres. Fotografía principal: Shawn McKay

Los mejores rebrandings del 2017

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Llega un momento en el que las marcas se ven ante la necesidad de renovar su imagen corporativa para intentar adaptarse a los nuevos tiempos o por una evolución natural de la empresa. Esta puede ser quizás una de las decisiones más difíciles que debe tomar una empresa. Un rebranding ataña muchos riesgos que hay que estar dispuestos a asumir, más aún cuando la marca es reconocida especialmente por su logo o colores y queremos hacer un cambio en estos aspectos. Aquí tienes el top 10 de los mejores rebranding de este año: Movistar La multinacional española de telecomunicaciones más importante nació en 1995 bajo el nombre de Telefónica de España SA. En el 2010 pasó a utilizar el nombre de Movistar para su imagen publicitaria, tratando de llegar a un público más joven. Un lavado de cara muy necesario para la compañía de telefonía más antigua de nuestro país. A lo largo de este tiempo Movistar ha realizado 6 rebrandings de su logo, tendiendo a la simplicidad, hasta llegar a este último realizado en 2017. Este rebranding ha sido realizado por la empresa Lambie-Nairn. ¿Cuál ha sido su objetivo? Mostrar una marca más cercana a las nuevas tecnologías, dándole una expresión de modernidad y simbolizando los nuevos retos empresariales de la compañía. Para el nuevo diseño de Movistar se han decidido eliminar los brillos y relieves (adiós a la M en 3D), así como el fondo azul en degradado. Ahora la M es plana, más simple y desvinculandose en ocasiones del verde para aparecer en algunos casos también en azul y blanco. Esta forma más plana está pensada también para usarse en redes sociales y para poder crear a partir de sus curvas un lenguaje más simplificado, fácilmente aplicable. Converse La famosa marca de zapatillas de lona fue creada en Massachusetts en 1908. Ha realizado varios rebrandings a lo largo de sus más de 100 años de historia, pero manteniendo desde los años 70 la estrella y la flecha. Los encargados del rebranding han sido el estudio británico Sawdust. Desde el principio han tenido claro que mantendrían la esencia de Converse. Como contó Adam Cohn, director de diseño global, para una entrevista para la web Cool Hunting: “el símbolo de la estrella y la flecha ha estado en uso desde los años 70 y queríamos que fuera una parte importante de nuestra identidad; esa parte de la investigación fue clara: aprovechemos un icono que es parte de nuestro legado y que además representa el avance. El desafío era poner nuestro nombre en la composición, así que tuvimos que desarrollar un nuevo arreglo tipográfico”. En este diseño la palabra “Converse” ahora queda en un segundo plano, haciéndola más pequeña que la imagen de la flecha junto con la estrella. La tipografía se ha cambiado, pasando a utilizar, según la agencia, "una mezcla de 4 ó 5 versiones que usaban antiguamente para el logo de la marca". Cirque du Soleil En 1984 fue creada una de las mayores empresas de espectáculos circenses del mundo en Baie-Saint-Paul. Actualmente, teniendo en cuenta tan solo los shows que tienen lugar en la ciudad de Las Vegas reciben más de 9 millones de espectadores al año. Desde sus inicios han realizado 5 rebrandings, la mayoría siempre han guardado las líneas tradicionales a excepción de este último que ha roto definitivamente con ellas. La Consultora Brand Union en colaboración con Commissaire Officiel Studio, ha sido la encargada de este cambio. El objetivo de la compañía es convertirse en una empresa multimarca, creando una marca paralela alejada del espectáculo, de ahí que el diseño muestre una imagen totalmente diferente a la que nos tienen acostumbrados. El diseño cuenta con el mismo medallón pero mucho más simplificado, permitiendo que se use en formatos más pequeños. Además, podrá usarse de forma más cómoda en las redes sociales. El logotipo ha pasado de incorporar muchos detalles a líneas simples y claras, al igual que la tipografía que se ha afinado para una mejor legibilidad en redes sociales. El intenso color amarillo que usaban, ahora es un amarillo más apagado y sofisticado. Los colores utilizados para el fondo son el azul, el blanco y el negro. Formula 1 Hace 67 años que se celebró la primera carrera de Fórmula 1 en 1950 en Inglaterra, además el anterior branding estuvo durante 23 años. El diseño ha sido realizado por la agencia londinense Wieden + Kennedy. El cambio de propiedad a Liberty Media ha sido uno de los detonantes de este cambio de imagen. Además, de la necesidad de adaptarlo a los nuevos tiempos y a su uso en redes sociales. El logo ahora está formado por dos figuras rectas con una curva simulando una F y una línea vertical simulando el 1. Representando dos coches que recorren un circuito, queriendo llegar a la meta. El nuevo branding muestra una imagen mucho más simple y con menos detalles, consiguiendo así unas líneas más acordes a la actualidad, más moderna. Ebay La pionera de las subastas de productos online se fundó en 1995 en California. A lo largo de su historia su logo ha sufrido dos únicas modificaciones. En sus inicios el logo incluía unas letras multicolor superpuestas unas encima de otras, dando así una imagen aniñada. En el primer rebranding mantuvieron las letras multicolor pero las separaron para conseguir una mejor legibilidad. El segundo y último rebranding realizado para la marca por Form& junto con el equipo de ebay, la marca ha decidido deshacerse de las letras multicolor. Los colores los siguen manteniendo en el fondo, apostando por un diseño más elegante y no tan infantil pero sin perder su esencia. La tipografía utilizada es la Market Sans, creada por Swiss Typefaces especialmente para este proyecto. Schweppes Esta empresa nació en 1783 en la ciudad de Ginebra, pero no llegó a España hasta la década de los 50. La marca es propiedad de diferentes compañías en cada uno de los países, por eso no es difícil ver que tanto el branding como el packaging sea a su vez diferentes. Por ejemplo en Reino Unido es propiedad de Coca cola, mientras que en España es propiedad de Orangina-Schweppes. El nuevo branding del Reino Unido ha sido diseñado entre Coca-cola y la consultora Kenyon Weston. La nueva forma de la botella está inspirada en el modelo original de Jacob Schweppe de 1783. La pena es que este rediseño no llegará a países como España dado que Schweppes no forma parte del grupo Coca-cola. En esta ocasión han apostado por un cambio en la tipografía, ahora es de palo seco eliminando las serifas para un mejor uso e impresión en las nuevas botellas. Häagen Dazs Desde que la impronunciable empresa de helados neoyorquina naciera en 1961, no se había realizado ningún rediseño de la imagen corporativa hasta el día de hoy. La agencia de Manchester LOVE ha sido la encargada del lavado de cara de la marca. El objetivo que busca Häagen Dazs con este cambio es renovarse y modernizarse para adaptarse a los nuevos tiempos que corren y a los avances tecnológicos. Se han eliminado los colores negro y dorado que aportaban una imagen anticuada. El borgoña ha sido el único que ha permanecido intacto, el color insignia de la marca. También han rediseñado su packaging, haciéndolo más visual. La marca de helados cuenta con más de 50 patterns para decorar todos los packs. Artistas, diseñadores y directores de arte de todo el mundo se han prestado para llevar a cabo este rebranding. YouTube La plataforma de vídeos más visitada del mundo y que cuenta con más de 1.500 millones de usuarios, nació en California en el año 2005. En número de miembros solo es superada por Facebook que cuenta con más de 2.000 millones de usuarios. Cabe destacar que este año YouTube contabilizó 1.000 millones de horas en visualizaciones al día, duplicando lo conseguido en 2015 cuando se contabilizaron 500 millones de horas. El rebranding ha sido realizado por la propia compañía, contando con Christopher Bettig en la parte de arte y Robert Thompson en la navegación y visualización de videos. Además, han contado con la colaboración de Saffron para la creación del diseño. Este ha sido su primer rebranding desde que se creó, con el objetivo de hacer funcionar mejor los elementos ya existentes. Se ha creado especialmente para la ocasión la tipografía Youtube Sans, más redondeada y menos condensada, queriendo así mejorar su legibilidad sin perder su esencia. La palabra “Tube” la han sacado de la caja roja, juntándola a “You”. Además, han colocando delante de “Youtube” el icono de play de sus videos, un nuevo elemento añadido al logotipo de la marca. Calvin Klein Una de las casas de moda más importantes del mundo, fundada en 1968 en Estados Unidos, ha realizado el segundo rebranding de su historia en este año 2017. La marca opera en más de 110 países, obteniendo unos ingresos superiores a 8.000 millones de dólares anuales. En esta ocasión, el diseño ha sido creado por Raf Simons, bajo la dirección del diseñador gráfico Peter Saville. Este cambio ha sido un homenaje al fundador y a los cimientos de la casa. Los cambios más destacados han sido, el paso de las minúsculas del nombre a mayúsculas y el uso de una nueva tipografía, desechando la tradicionalmente utilizada Futura. Audi La empresa de automóviles alemana se creó en 1909 y pasó a formar parte del Grupo Volkswagen en el 1965. Actualmente opera en todo el mundo, obteniendo unos ingresos de 45.096 millones de euros anuales. No es la primera vez que la marca decide rediseñar su logo, cuentan con una larga historia de cambios siempre intentando amoldarse a los nuevos tiempos. El rediseño ha sido realizado por Audi en colaboración con las agencias alemanas Strichpunkt y KMS TEAM. El objetivo que se buscaba en esta ocasión era la adaptación a las nuevas tecnologías y romper con la imagen actual dando rienda suelta a la creatividad. En el nuevo branding podemos comprobar que se ha retirado la palabra Audi en su totalidad y se han desecho de los relieves y brillos de los anillos (adios al diseño 3D de estos). El logo ha pasado a ser completamente plano y de líneas sencillas, permitiendo así una mejor uso en las redes sociales. Fotografía principal: Andreas Gucklhorn

Las mejores portadas de la historia de la música

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Listas, listas y más listas. Todas subjetivas e imperfectas y esta también, y mucho. Nada me gusta más en esta vida que el diseño y la música, así que escribir este artículo ha sido una mezcla de fruición y responsabilidad unida a constantes dudas. Todas las listas de este tipo que he visto en revistas o en internet siempre me han parecido incompletas, repitiendo una y otra vez las mismas 10 portadas, como si no hubiera vida más allá del plátano de Andy Warhol o el haz de luz de Thorgerson para Pink Floyd. Evidentemente en esta no podían faltar ni esas, ni otras que pertenecen a ese grupo de "indispensables", pero quiero ir más allá y proponer en este artículo una lista más completa, la lista que me hubiera gustado ver a mí, sí, a mí, porque para ti probablemente esta lista seguirá siendo imperfecta. Ryuchi Sakamoto B2 Unit Takeo Aizawa y Tsuguya Inoue realizaron el diseño de este disco totalmente pionero que incluye el clasicazo de la música electro Riot in Lagos. Joe Jackson Look sharp! Michael Ross realizó un diseño, cuyo mérito reside, sobre todo, en la increíble foto del gran Brian Griffin, y no, no estoy hablando del perro de Family Guy. Sweet Off the record Esta ilustración de Terry Pastor siempre me fascinó de pequeño, así que cuando pensé en escribir este artículo me dije "esta cae fijo". Led Zeppelin IV No quiero parecer un nostálgico de barra de bar, pero el vinilo daba un soporte al diseño que es imposible de reproducir en un CD. Aquí un ejemplo de portada y contraportada que hay que ver en su conjunto. Jimmy Page y Robert Plant idearon el diseño. Robert había comprado la lámina que aparece en la portada en una chatarrería en Reading y se les ocurrió la idea de que la imagen del hombre con la leña representase lo antiguo en un edificio derruido, con el contraste de lo nuevo por detrás. Dead Kennedys Frankechrist La historia que hay detrás de esta portada es tan maravillosa que sin duda merece aparecer aquí. La subrealista imagen es el detalle de una fotografía de un desfile de shriners, que muestra a cuatro miembros de la Antigua Orden Árabe de los Nobles del Relicario Místico (A.A.O.N.M.S. En inglés) conduciendo automóviles de juguete. Los cuatro miembros de la orden que aparecen en la portada posteriormente demandaron a la banda por el uso de su imagen, en 1986. Sin embargo lo que rebanó del todo los sesos de la gente fue su interior: El LP traía un póster denominado "Penis Landscape", obra del artista suizo H. R. Giger, consistente en una imagen de penes penetrando vulvas. El grupo fue denunciado por amoralidad por parte de una asociación conservadora estadounidense (PMRC) la cual los llevó a un juicio en 1986 en el que los miembros de la banda fueron condenados, aunque finalmente fueron absueltos un año más tarde. De película. Manfred Mann's Earth Band The roaring silence Espectacular arte a cargo de Shirtsleeve Studio para una de las bandas que, por esa época, más le daba al azucarillo de Hofmann. Freddie Hubbard Hub-tones Esta portada es la esencia del diseño Blue Note, un estilo que marcó una época y que aún hoy continúa haciendo escuela. El disco, nada del otro mundo, solo Freddie Hubbard acompañado por gente como un tal Herbie Hancock o un tal Clifford Jarvis. Espectacular. Kiss Peter Criss, Ace Frehley, Genne Simmons, Paul Stanley Esto no es ni una portada ni un disco, son cuatro portadas y cuatro discos que pertenecen a uno de los proyectos más originales de la historia de la música. Se trata del lanzamiento simultáneo de cuatro álbumes en solitario de los miembros de Kiss. A pesar de que ninguno de los discos contiene el trabajo de más de un miembro del grupo, se comercializaron como álbumes de Kiss. Fue la primera vez que todos los miembros de una banda de rock, publicaban álbumes en solitario, y el mismo día. Bob Dylan Planet waves Por el precio de un vinilo, te llevas un discazo y una pintura del mismisimo Bob Dylan. No era la primera vez que lo hacía, ya le había dado al pincel en Self Portrait y Music from Big Pink. En el margen derecho de la imagen puede leerse la frase «canciones inquebrantables y baladas antorcha». Pues eso. The Clash London calling La fotografía de Pennie Smith con Paul Simonon golpeando su bajo Fender Precision es una de las imágenes más icónicas de la música. Sin embargo, lo que no todo el mundo sabe es que la tipografía es un homenaje al primer disco de Elvis Presley. Elvis Presley Elvis Presley He aquí el homenajeado primer disco del rey del rock lanzado en marzo de 1956. Hot chip Why Make Sense? Los diseñadores Nick Relph y Matthew Cooper realizaron para esta portada una técnica de impresión única y creada expresamente para la ocasión, basada en un algoritmo que modifica de forma aleatoria el color e imagen de la portada para cada una de las impresiones de vinilo, dando como resultado cientos de miles de combinaciones diferentes. Bill Evans Undercurrent La fotografía de Toni Frissell, titulada "Weeki Wachee, Florida" de 1947 es tan impactante que posteriormente tanto la banda This ascension y The Beauvilles la utilizaron para ilustrar sendos discos. Pero nada, la original es esta. Kraftwerk The man machine Otro "indispensable" para cualquier lista. La portada está basada en la obra constructivista de El Lissitzky, ilustrador de la propaganda de vanguardia durante la consolidación de la revolución soviética. Como es normal, en plena guerra fría, la imagen dio mucho que hablar. Pj Harvey Rid of me Esta portada me encanta porque define perfectamente la música de Pj Harvey: impulsividad, imperfección y delicadeza. La foto fue capturada por Maria Mochnacz, y fue tomada en el baño de la fotógrafa. Debido al pequeño tamaño de la habitación, tuvo que colocar su cámara contra la pared frente a Harvey y no podía mirar a través del visor de la cámara. Guns and roses Appetite for Destruction No sé si se vendieron más discos o parches para la chupa con esta ilustración. Tras esta portada hay otra historia de esas que merecen ser contadas. La portada original era un diseño del artista californiano Robert Williams en la que aparece un robot que supuestamente acaba de violar a una chica. El problema vino cuando los directivos de Geffen vieron que este diseño podría suponer un contratiempo para las ventas del disco, por lo que se decidió cambiar la portada antes de lanzar el LP, lo que generó dos meses de retraso en el lanzamiento del mismo. Honeymoon Suite Honeymoon Suite Steve Gerdes y Dean Motter fueron los encargados del diseño de la portada del primer disco de la banda canadiense. Motter compaginaba su carrera de diseñador con la de dibujante de cómics, siendo el creador de Mister X, uno de los más influyentes de la Nueva Ola de los años 80. Yellow Magic Orquestra X∞Multiplies La banda del genial Ryuchi Sakamoto lanzó este álbum en 1980. Takayuki Innami fue el encargado de crear esta fantástica portada de un disco que tuvo dos versiones, la que sacaron en Japón, mucho más experimental, y la que publicaron para el resto de países, en la que limpiaron intros y finales como el del tema New Age que termina con una sucesión de sonidos abruptos y complejos. Quizás pensaron que el resto de la humanidad no estaba preparada ciertos conceptos musicales. Quizás acertaron. Supertramp Breakfast in America Ganadora del Grammy al mejor diseño de portada en 1979. Esta obra del genial Mike Doud simboliza una vista aérea de Nueva York desde el asiento de un avión. En ella aparece la acriz Kate Murtagh vestida de camarera haciendo de Estatua de la libertad, con un fondo de vasijas que representa el skyline de la ciudad. Todd Terje It's album time Una portada con una ilustración de Bendik Kaltenborn es un acierto seguro. Además el disco del dj y productor noruego es de esos que no puedes dejar de escuchar una y otra vez. Elton John 21 at 33 Norman Moore ha diseñado cientos de portadas que seguro que recuerdas perfectamente, algunas con mucho más acierto que otras. Esta que nos ocupa, de 1980, me parece muy merecedora de aparecer en esta lista, tanto por la imagen como por la fina composición tipográfica, muy inusual para la época. The Who The Who sell out Esta portada está dividida en paneles que incluyen fotografías realizadas por David Montgomery a cada miembro del grupo, dos de ellos en la portada y otros dos en la contraportada. En la portada aparecen Pete Townshend, aplicándose un desodorante de la marca ficticia Odorono (título de uno de los temas), y Roger Daltrey, sentado en una bañera llena de frijoles de la marca Heinz. En la contraportada se sitúan Keith Moon, echándose en la cara una pomada llamada Medac, y John Entwistle, vestido con piel de leopardo y abrazando a una mujer. Igual que su música, la portada es pura psicodelia. Beasty Boys Licensed to ill Dice la Rolling Stone que este es el mejor disco debut de la historia de la música y creo que estoy bastante de acuerdo. Rompieron todos los moldes en unos Estados Unidos donde, con vagas excepciones, los blancos hacían rock y los negros rap, y ni mucho menos a nadie se le ocurría mezclar esos dos mundos. Así que, fanáticos del metal chándal, ya sabéis quién abrió el camino. La portada es una ilustración de David Gamble, conocido en el mundillo como World B. Omes. Por cierto, hay un disco no muy conocido de Beasty Boys que a mí me cambió la vida y que me sé de memoria: The In Sound from Way Out! un pedazo de álbum instrumental con 13 temazos funk que es una gozada. Ahí lo dejo. Martin Briley One night with a stranger La portada de este disco, obra del ilustrador Stan Watts y el estudio de diseño Lumen Whiteman, reproduce el primer fotograma del vídeo "The salt in my tears", tema que abría el álbum del artista inglés. Radiohead OK Computer La portada de este casi perfecto álbum (esto no es opinión, es información) es un collage de imágenes y textos indesciifrables en el idioma esperanto. Obra de Stanley Donwood, autor de varios diseños de portadas de Radiohead, con la inestimable colaboración de Thom Yorke. The Rolling Stones Their Satanic Majesties Request Las versiones iniciales de este álbum presentaron una imagen tridimensional de la banda realizada por el fotógrafo Michael Cooper. La imagen lenticular muestra cómo giran las cabezas de los miembros del grupo a excepción de la de Jagger, cuyas manos aparecen cruzadas delante de él. Lo mejor de esta portada es que al mirarla muy de cerca, puedes ver los rostros de los cuatro Beatles, al parecer en respuesta a la inclusión de una muñeca que lleva un su suéter el mensaje 'Invitamos a los Rolling Stones' en la portada de Sgt. Pepper, de la que hablaré más adelante. Quatermass Quatermass Este trío de músicos adelantados a su tiempo (estuvieron en activo de 1969 a 1971) nos dejaron una corta pero intensa colección de temas de rock progesivo y esta portada, que podía mirar durante horas en mi mocedad. The Cribs Men's needs, women's needs, whatever Janette Beckman a la fotografía y Rob Crane al diseño fueron los artífices de esta portada tan cinematográfica que es pura poesia. Pink Floyd Dark side of the moon Bueno, pues hemos llegado a La portada, es cierto que está más vista que el hilo negro pero tenía que estar en esta lista. El colectivo de diseño de Hipgnosis fue el encargado, una vez más, de crear la portada del octavo disco de la banda; ya habían diseñado otras portadas para Pink Floyd con anterioridad. Sin embargo en esta ocasión el encargo era claro: "queremos algo con más clase, elegante". Todo el mundo atribuye esta portada a Storm Thorgerson, pero el, por entonces, "currante" que diseñó el prisma con sus manitas fue George Hardie, empleado de Hipgnosis. Al César lo que es del César, que Thorgerson ya se ha llevado muchos aplausos, merecidos, eso sí. Funky Porcini Fast asleep El estudio Openmind fue el encargado de diseñar esta magnífica portada para este artista de Ninja Tune que mezclaba como pocos el jazz, el drum and bass y el hip hop desde finales de los noventa. The Jeff Beck Group Beck-Ola Aviso: si pones en la portada de tu disco una pintura de René Magritte, vas a salir SIEMPRE en todas las listas que haga de este tipo. Led Zeppelin Houses of the holy El quinto disco, pero primero con un título pronunciable de los Zeppelin fue obra (again) de Thorgerson, aunque la cosa no empezó nada bien. Según Page: Le habíamos encargado el diseño de Houses of the Holy y este tío, Storm, vino con una foto de una pista de tenis verde eléctrico y una raqueta. Yo dije "¿Qué demonios tiene esto que ver?" y él dijo: "Raqueta, ¿no lo captas?" (Racket, en inglés, significa tanto "raqueta" como "fraude", y también "ruido" o "barullo"). Le respondí: "¿Me estás diciendo que nuestra música es una raqueta? ¡Lárgate!". Finalmente aceptaron la siguiente idea que Thorgerson les propuso, que había nacido del libro de ciencia ficción de Arthur C. Clarke “El fin de la infancia” (también conocido como “Los hijos de Ícaro”), editado en 1953. Nirvana Nevermind Según Cobain, la idea de esta portada la tuvo mientras veía un programa de televisión sobre nacimientos bajo el agua con Grohl. Cobain se lo mencionó al director artístico de Geffen, Robert Fisher, quien encontró varias imágenes impactantes sobre estos nacimientos bajo el agua, pero eran demasiado explícitas para la compañía discográfica, por lo que decidieron tomar la foto ellos mismos. Por cierto, el niño ya se ha hecho mayor. Manfred Mann's Earth Band Chance Las portadas de Manfred Mann's eran casi todas buenas, pero esta, quizás por su sencillez alejada del estilo de la banda, siempre me gustó. El diseño es de Martin Poole y la ilustración de Ole Kortzau. Battles La Di Da Di Los magos del loop infinito y del post-rock o del "comoloqueráisllamar". Es un grupo difícil para la mayoría, pero a mí me flipan (por muchos motivos que no vienen al caso contar ahora). El ménage à trois formado por Ian Williams, John Stanier y Dave Konopka es pura adrelanina, y este último, además de hacer lo que quiere con su guitarra es un genial diseñador, autor de esta y de las anteriores portadas (todas excelentes) de la banda de Nueva York. New Order Power corruption & lies El diseño de Peter Saville para el álbum tenía un código de color para representar el nombre de la banda y el título del álbum. La cubierta es una reproducción de la pintura "una cesta de rosas" del artista francés Henri Fantin-Latour, que es parte de la colección permanente de la galería nacional en Londres. Squarepusher Damogen furies El estudio Build junto con el fotógrafo Timothy Saccenti fueron los encargados del arte de este disco, transmitiendo a la perfección la finura y el caos de este músico inglés. Michael Jackson Dangerous Recuerdo que me compré el casette en Discoplay siendo un mico y me tiraba las horas muertas viendo la ilustración de Mark Ryden. Estamos ante una portada llena de detalles y símbolos con la que algún amigo mío conspiranoico se frotaría las manos. El caso es que Ryden, que tardó 6 meses en acabar el trabajo, quiso reflejar gran parte de la vida de Michael Jackson en esta ilustración; por ejemplo, justo encima de los ojos aparece un mono a punto de ser coronado, se trata de Bubbles, el chimpancé de MJ que murió en 1989. Le Roux So fired up Paul Maxon fue el creador de la portada de este álbum de la banda de Lousiana. Nunca he sabido si la chica baja o sube. Lee Bannon Pattern of excel Un discazo de Ninja Tune con una portada maravillosa de la que aún sigo sin saber al autor, así que si alguien lo sabe, por favor que le vante la mano. Miles Davis Bitches Brew Aunque como el Kind of Blue no haya nada igual, creo que esta mítica portada de Mati Klarwein merece más reconocimiento. The Beatles Abbey road Un 8 de agosto de 1969 a las 11:30 de la mañana, enfrente de los estudios de EMI en Abbey Road, el fotógrafo Iain McMillan tomó una de las fotográfias más icónicas de la historia de la música. McMillan tuvo que contentarse con 10 minutos para trabajar, que es lo máximo que la policía accedió a parar el tráfico en la calle. The Velvet Underground & Nico s/t Y de un clásico pasamos a otro. Las primeras copias del álbum invitaban a "Peel slowly and see" (Pelarlo lentamente y ver). Al despegar el plátano aparecía otro debajo de color carne, muy Warhol todo. UFO Phenomenon De nuevo Hipgnosis está detrás de esta portada de la banda británica de hard rock de los setenta. Es uno de los discos claves para las bandas británicas nacidas a fines de los setenta y principios de los ochenta como Iron Maiden, que solían hacer una versión del tema «Doctor Doctor» en muchos de sus directos. Average White Band The best of Laurence Hoadley fue el encargado del arte de este recopilatorio de la banda escocesa que tanto influyó a gigantes como The Brand New Heavies o Incognito. Supertramp ...Famous last words... Mike Dowd y Norman Moore realizaron esta portada que, en el momento de su lanzamiento, muchas personas interpretaron tanto por el título, como por la imagen como una posible disolución del grupo. The Beatles Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band El octavo álbum de estudio de The Beatles, como todo el mundo sabe, contiene muchísimas curiosidades. Podemos ver a varias celebridades que acompañan a la banda británica, como por ejemplo Edgar Allan Poe, Bob Dylan, Marilyn Monroe, Marlon Brando e incluso Albert Einstein. Muchos fans ven en ella alusiones a la supuesta muerte de Paul: el coche que aparece en la parte inferior derecha, que simboliza el accidente que provocó la muerte de Paul, el bajo formado por flores amarillas y que solo tiene tres cuerdas, los mismos miembros de la banda que quedarían vivos; o la mano que aparece sobre la cabeza de Paul, que es un símbolo hindú relacionado con la muerte. Vamos, que esta portada da un juego espectacular para todos los conspiranoicos. Chicago Chicago 13 El fabuloso Gary Meyer fue el encargado de hacer la espectacular ilustración de la portada de este álbum del 79. El resto del diseño corrió a cargo de Tony Lane. Tengo que decir que todas las portadas de esta banda son geniales. David Bowie Aladdin Sane Conseguir que la portada de un disco acabe siendo un icono del pop es algo que ha sucedido 3 ó 4 veces en la historia, y esta es una de ellas. Brian Duffy fue el fotógrafo que inmortalizó a Bowie maquillado por el argelino Pierre La Roche. Una curiosidad sobre el título de este disco: es un juego de palabras que esconde A lad insane (un hombre loco) en honor a su hermano esquizofrénico. Grace Jones Island life El dúo formado por Grace Jones y el diseñador Jean-Paul Goude es uno de los más exitosos y reconocidos en la historia de la música. Todo lo que cada uno es, se lo debe al otro. Crearon juntos un imaginario difícil de superar y que sigue influenciando a artistas y diseñadores en la actualidad. Joy Division Unknown Pleasures Que en tu primer disco no pongas ni el título del mismo, ni el nombre de la banda, es de tenerlos cuadrados. Si además, en la contra tampoco pones la típica lista de canciones es que, una de dos, o eres un puto genio, o estás como una cabra. El tiempo ha demostrado que fue lo primero. Peter Saville, el diseñador, explicó que la imagen es la reproducción de 100 pulsos del primer púlsar descubierto (el púlsar es un tipo de estrella que emite pulsos de radiación electromagnética de forma periódica). Nadie sabía a ciencia cierta dónde apareció por primera vez esa imagen, que ya ilustraba un libro de la Universidad de Cambridge en el 77. Hasta que un especialista en tesis doctorales de la Universidad de Cornell redactadas entre el periodo 1968 y 1970 descubrió que la imagen era parte de un trabajo de Harold D. Craft titulado Radio Observaciones de los perfiles de pulso y medidas de dispersión de doce pulsares. Pues hasta aquí mi "pequeña" lista de las mejores portadas de la historia de la música, consciente de que podría haber incluido muchas más, y dudando de si se me escapa alguna que hubiera querido que apareciese, pero que con semejante saturación se ha quedado en el tintero. En algún momento hay que poner el punto final y este momento me parece bien. Fotografía principal: David Calderon