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Los mejores diseños de carteles de cine de la última década
¿Qué es una buena película sin una buena presentación? Eso sería precisamente lo que pensarían productores, directores y demás personas relacionadas con el mundo del cine. Gracias a ello nosotros hemos podido disfrutar de diseñadores y artistas poniendo su granito de arena en estas producciones, al igual que lo hicimos con los discos en nuestro artículo que repasaba las mejores portadas de la historia de la música. Ha llovido mucho en la historia de los carteles de cine pero en la actualidad podemos encontrar muy buenos ejemplos de cómo se trabajan diferentes estilos y de las tendencias en el mundo del diseño hoy. Presentamos una lista de algunos carteles de los últimos años que nos han sorprendido gratamente.   El lobo de Wall Street El j***** mejor p*** cartel de la historia, j****! No descuidemos las formas, pero es una manera muy apropiada de describir el cartel de esta película de Scorsese. Este cartel fue un trabajo de la agencia BLT Communications, encargada de otros trabajos como Alita o Stranger Things, entre otras. Una de las míticas escenas de la película se sitúa en un despacho de brókers que escuchan absortos una charla motivadora de su jefe (Leonardo Dicaprio) y luego una imagen de este mismo escenario donde los personajes se encuentran perdiendo totalmente el control. Lo que podemos ver en el cartel es un fotograma de ese descontrol mientras delante nos mira desafiante su protagonista, resumiendo muy bien todo el mood del film.   El Renacido Si analizamos un poco el uso del color y la composición, podemos apreciar el aire general de la película y sobre todo el frío. Mucho frío. Aunque en el cartel optaron por el retrato del protagonista en vez de los magníficos paisajes, me gusta el contraste elegido que hacen esas líneas rojas frente al frío azul del rostro y del fondo. En general me transmite con fuerza la dureza de la situación y los percances a los que se tuvo que enfrentar de nuevo Leonardo Dicaprio. Al fin y al cabo con esta peli se llevó el Óscar, y mira que tuvo que sufrir para conseguirlo.   Moonlight Este cartel (y muchos otros) fue diseñado por el director de arte Steve Reeves para la agencia InSync Plus, que es responsable de otros trabajos como Gorrión Rojo y Star wars: Los Últimos Jedi. Se trata de la fusión de tres caras formando una sola, la del protagonista, en las tres fases de su vida que narra la historia: infancia, adolescencia y madurez. Según el propio Reeves, el cartel salió a la primera casi sin ninguna modificación en el arte, solo unos ajustes de color, lo cual es sorprendente para el que se dedica a esta industria.   El Gran Hotel Budapest Para este diseño jugaron con la forma de una antigua recepción de hotel a modo de presentación de los actores que participan en la película. El uso del color en general en esta película es muy interesante, oscilando entre los cálidos, los rosas y rojos, y los azules. Me recuerda un poco al esplendor de la antigua Rusia con sus grandes familias de la aristocracia. La tipografía también acompaña al cartel con un toque clásico, gracias a la serifa, pero dándole un giro un poco más contemporáneo con la forma y con la fuente más estrecha. El diseño del Gran Budapest se basó en hoteles reales de la zona de Europa del Este. Uno de ellos, el Hotel Palace Bristol, fue la inspiración para el color pastel rosa del hotel ficticio.   Mother! Existen varios carteles para esta película pero el más interesante es el de la protagonista, Jennifer Lawrence, que se encuentra ilustrada evocando una imagen bucólica y cargada de simbolismo que bien me quiere recordar a Frida Kalho o a Dalí. De hecho está rodeada de flores pero sosteniendo un corazón ensangrentado entre sus manos. Estos carteles causaron gran sensación cuando salieron y nos vinieron de la mano de James Jean, ilustrador de origen taiwanés. La tipografía, a mano alzada y encima con la exclamación, nos despiertan una sensación de fuerza, drama y pasión.   Isle of Dogs Diseñado también por BLT communications, que además de la cartelería, desarrolló la campaña para redes, vídeos y demás material publicitario. The Isle of Dogs es una película de animación dirigida por Wes Anderson que está ambientada en un futuro distópico situado en Japón, en el que debido a una enfermedad como la gripe canina todos los perros han sido desterrados a una isla. Me llama la atención la influencia de la estética japonesa en el póster, tanto en los colores, como por supuesto y lo más llamativo, en los caracteres japoneses que traducen tanto el título como el nombre de todos los actores. Sí, hasta los americanos. Igualmente el uso de la composición vertical que se utiliza en el cartel está asociado a la cultura y escritura japonesa.   Birdman Como si de una ilustración de superhéroes clásica se tratase, con un estilo más parecido a la serigrafía por los espacios de color plano, se presenta al protagonista de nuestro cartel. Birdman narra la historia de Riggan Thomson, un actor en decadencia que no consigue deshacerse de la obsesión por su antiguo papel que le dio la fama. La encarnación del superhéroe que aún le ronda en la cabeza, aquí literalmente la vemos plasmada en el diseño.   Flatliners Este cartel también es bastante interesante. Juega con el efecto de la doble exposición, es decir, mezclar dos fotografías en el mismo fotograma. Además desfasa sutilmente los canales de los que se compone el color, de ahí que en una se pueda ver más azul y en otra más rojo. Gracias a este efecto, los protagonistas se muestran por una parte en un estado de inconsciencia y a la vez sufriendo situaciones cercanas a la muerte, todo debido experimento al que van a someterse.   Drive Me llama la atención este cartel por dos cuestiones algo contrapuestas a mi entender. El estilo de la película es neo-noir, pudiendo ver en una pose de tipo duro al misterioso “The Driver”, el protagonista de la película. Pero luego nos encontramos una tipografía más ochentera de color rosa que nos sitúa en otro contexto. Si bien la película está ambientada en una época más actual, conserva ciertos rasgos de las películas de cine negro de antaño.   La la land Este cartel ha sido diseñado por la agencia londinense All City y fue publicado para el Festival de de Cine de Venecia en Agosto del 2018. Representa una mítica escena de la película en la que los protagonistas intiman después de una fiesta. La escena llamada “a lovely night”, es un número de baile al anochecer muy al estilo hollywoodiense. ¿No es la misma farola que en “Cantando bajo la lluvia”? En fin... El equipo se centró en reducir la escena a una sola imagen para el cartel y plasmar ese cielo tan característico de la hora mágica.   Her Lo primero que me llama la atención de este cartel es la buenísima combinación de colores. El rojo que casi nos golpea diciendo 'romanticismo' contrasta con los ojos de protagonista, que parece que nos mira con cara de melancolía y tristeza diciendo “algo de esto no va a salir muy bien”. Esta aparente sencilla combinación de elementos gráficos consiguen comunicarnos de forma efectiva el tono general de la película que tanto gustó a la crítica.   Enemy En este cartel encontramos algunas sutiles pistas que nos desvelan parte de la trama. Primero la “N” en la tipografía está ligeramente inclinada en modo itálica que nos induce a pensar en algo paralelo. Luego lo complementas con la fotomanipulación en la que de la cabeza del protagonista sale esa misteriosa ciudad. Y por último una araña, o algo asi, que aparecerá como un símbolo más adelante en la narración. Bueno, en ese punto de la peli ya empiezas a sospechar. Encontrarse con tu doble en la vida real, normalmente contrario a ti, nunca es una buena señal. Esta es la premisa de la historia que nos narra este thriller psicológico dirigido por Denis Villeneuve. Tras haber hecho un pequeño repaso de algunos de los carteles que considero más relevantes, podemos reconocer la importancia que se le da actualmente a su diseño. No solo por ser la carta de presentación y nuestro primer juicio de valor a la hora de elegir película, sino que además los carteles nos enseñan grandes soluciones gráficas para comunicar las ideas tan complejas de algunos argumentos. Aunque esta lista puede parecer corta, si profundizamos descubriremos gran cantidad de buenos diseños (y algunos malos por supuesto) en toda la historia del cine. Foto principal: Max Ostrozhinskiy
Libros en una estantería colgada de un árbol en medio del bosque
En el universo del diseño gráfico puede parecer que todo está inventado. Nuestro reto como creadores o productores de este nuevo arte es plantear proyectos diferentes, especiales, exclusivos, propios. Diferenciar tu diseño del resto con tu toque personal es, probablemente, nuestro mayor desafío.  Para ello he recopilado las que, a mi juicio, son las obras más completas de los grandes expertos que dominan las diferentes ciencias o saberes aplicables a este sector. En ellas he encontrado lo que considero gran parte del conocimiento necesario para ilustrarnos en nuestro complejo propósito y encontrar la auténtica inspiración. Espero que las disfrutéis tanto como lo he hecho yo. Ahí van: “Psicología del color”, de Eva Heller La alemana Eva Heller fue una socióloga, psicóloga y profesora de teoría de la comunicación y la psicología de los colores. En base a sus experimentos, escribió el libro de la psicología del color, en el que explica cómo pueden llegar a afectar a los estados de ánimo cada uno de ellos. Para ello se consultó a una muestra de hasta 2.000 personas de toda Alemania.  Una de las conclusiones que sacó fue que cada color actúa en cada persona de forma diferente, para algunas personas el color verde, por ejemplo, puede ser saludable; en cambio, para otras, tranquilizante o incluso venenoso. Es por ello que este libro es ideal para saber de qué forma podemos llegar a usar un color: desde un diseño de una carta de un bar hasta un logo de una gran empresa.   “Manual de tipografía”, de John Kane John Kane, profesor de tipografía y diseño en una importante universidad de Boston, es autor de varios libros muy reconocidos. Este ejemplar es una introducción para cualquier estudiante y diseñador gráfico sobre principios básicos de la tipografía, desde la historia, pasando por la teoría y la práctica.  La segunda edición revisa contenidos de la primera y añade varios detalles importantes como la composición de textos, la elección de letras y el uso de color en ellas. Es un libro ideal para saber diferenciar y escoger diferentes letras en base al uso que se les quiera dar. Y recuerda que por mucho tiempo que pase hay tipografías que nunca pasan de moda.   “Historia del diseño gráfico”, de Philip Meggs El diseñador gráfico, profesor e historiador Philip Meggs es autor de varios libros sobre el diseño gráfico. Este libro es esencial para todos aquellos que quieran tener un conocimiento sobre el diseño gráfico en la historia. Fue uno de los primeros educadores en crear una visión general sobre la historia del diseño gráfico que no dependía exclusivamente de la estructura.  En este libro no solo encontrarás diseño de la tipografía moderna, si no también capítulos que versan sobre los orígenes de la impresión y la tipografía, así como la invención de los alfabetos y la escritura.   “Las leyes de la simplicidad”, de John Maeda El diseñador gráfico John Maeda, artista visual y científico informático, ha escrito este libro para explicarnos el porqué la industria debe crear más artilugios fáciles de usar, dado que eso es lo que buscamos hoy en día: la simplicidad y sencillez, pero con sentido.  Cada vez somos más los que queremos, con un simple elemento, hacer más aún; por ejemplo, el teléfono móvil: queremos un dispositivo que nos comunique con los demás, pero que también tenga internet para buscar información o incluso llegar a ver una película. Todo en uno. Maeda nos cuenta aquí cuales son las 10 leyes de la simplicidad y la más importante para él es la 10, LA ÚNICA: “La sim­pli­ci­dad con­sis­te en sus­traer lo que es obvio y aña­dir lo es­pe­cí­fi­co”.   “El arte de mirar hacía los lados”, de Alan Fletcher Alan Fletcher, uno de los diseñadores gráficos más influyentes de su época, es uno de los socios fundadores de la mítica consultora independiente de diseño Pentagram. Como es de esperar, este libro roza prácticamente la perfección hablando de tipografías, espacios y demás elementos. Lo que más llama la atención de esta obra es que, para hacerlo, no repite ni una sola página tipográficamente. Fletcher describe este libro como una “colección de fragmentos”; hay más de 1.000 citas de otros diseñadores, escritores y artistas que le han servido como inspiración, además de gran cantidad de anécdotas. El libro no tiene ni principio ni final, está escrito especialmente para poder leerse desde cualquier página, sin importar desde donde se abra, y para dar una visión diferente a todo aquel que lo lea, no solo a los profesionales del ámbito del diseño, si no a un nivel más personal.   “Psicología para creativos”, de Frank Berzbach Frank Berzbach es profesor de psicología y pedagogía. En este libro te explica como sobrevivir al trabajo, desde trabajadores en casa hasta en la oficina, además de como conservar el ingenio y las expectativas hacia los clientes. Así mismo, analiza con humor los factores que condicionan al rendimiento y a cómo gestionar el tiempo de forma productiva.   “Cómo ser diseñador gráfico sin perder el alma”, de Adrian Shaughnessy Adrian Shaughnessy, diseñador y escritor, nos da consejos desde su experiencia de cómo hacer trabajos que nos llenen psicológicamente y además ganar dinero con ellos. Un libro de autoayuda, podría decirse, pero argumentando con precisión las ventajas y virtudes de ser diseñador gráfico; desarrolla también cómo montar tu estudio desde 0 añadiendo los problemas que hay a la hora de buscar trabajo, clientes y trabajadores.    “Designing Brand Identity: An essential guide for the whole branding team”, de Alina Wheeler Alina Wheeler es una diseñadora de marcas que ha escrito este bestseller que ya va camino su 5ª edición. El libro también está en español bajo el nombre de “Diseño de marcas”. Es un libro dividido en 5 partes que describen el paso a paso de forma fácil y sencilla.  Describe tanto cómo crear una marca desde cero, como dar impulso a las que ya existen. Alina, en este libro, también nos da unos métodos efectivos para lograr la inspiración, así como una serie de herramientas para alcanzar el éxito en diseño de marcas. Es un libro muy recomendado que debería de estar en cualquier estantería de cualquier diseñador.   “Know your onions: How to Think Like a Creative, Act Like a Businessman and Design Like a God”, de Drew de Soto Drew de Soto es propietario de Nancy Victor Gallery y director de Navig8 Ltd. Este libro está escrito, como su propio nombre indica, para mostrar el camino a todo aquel que quiera ser un gran hombre de negocios, a la vez que un gran diseñador gráfico, y a pensar como un creativo. Es un libro práctico y rápido de leer, sin complacer a los demás ni tampoco muy técnico.   “Grid Systems in Graphic Design”, de Josef Müller Brockmann Josef Müller fue un diseñador gráfico y profesor universitario. Este libro también está en español bajo el nombre de “Sistemas de retículas”. Aborda la composición de la tipografía ya sea en revista, libro, catálogo, etc. Este libro busca la armonía entre el diseño gráfico de la tipografía y las imágenes e ilustraciones que puede haber en cualquiera de sus formas. Foto principal Hitoshi Suzuki
Diseño de Laura Alejo
Cuando mi compañero, para hacerse el guay y parecer moderno, me propuso que escribiera un artículo sobre mujeres diseñadoras, de lo que no se estaba dando cuenta es de que en la vida se habría planteado hacer una lista de diseñadores hombres. Sí amigas, parece que las mujeres todavía tenemos que competir en una disciplina aparte para algunos. Bueno, como mi compi es un tío genial y sé que no es un capullo arrogante, no se lo tengo en cuenta, no había mala fe. Eso sí, le voy a dar en toda la cara con esta lista de diseñadoras e ilustradoras high level. Laura Alejo Diseñadora gráfica e ilustradora de Barcelona, Laura estudió diseño gráfico y diseño de producto en la Escola Massana, haciéndose un hueco en el sector gracias a sus ilustraciones coloridas y frescas. Ha expuesto sus trabajos en muchos países around the world. Además, estos diseños han aparecido en publicaciones a nivel internacional como por ejemplo: Los Logos, Advanced Photoshop, Gráficos, Enter Español Creatividad o Editorial, hecho y distribuido en España. Esta diseñadora barcelonesa, siempre ha demostrado un espíritu apasionado y con mucha iniciativa. Mientras estudiaba creó Copyright Magazine, una revista sobre diseño gráfico que se convirtió rápidamente en un medio influyente tanto para estudiantes como para profesionales. Así, gracias a sus pubicaciones se mantenían al día de las últimas tendencias en diseño gráfico e innovación del sector. En 2006, una vez acabados sus estudios, fundó su propio estudio con sus socios de la revista Copyright Magazine. Durante esta etapa, se dedicó a investigar y comenzó a trabajar con motion graphics, trabajando para grandes empresas como MTV Italia, Paramount Comedy o Canal +. Un año más tarde decidió mudarse a la Gran Manzana para cumplir su sueño y llegar a lo más alto del panoraba del diseño. Tras unos meses trabajando como freelance, se unió a HUSH, un estudio multidisciplinar que trabaja con varias plataformas. Durante sus 4 años como miembro de la agencia, trabajó para empresas de la categoría de Nike, Sony Ericsson, Nokia, IBM o Discovery Chanel. Logró su sueño y se situó en la cumbre de la industria del diseño gráfico, codeándose con los mejores. En la actualidad trabaja como freelance en su estudio Greenpoint para clientes de todo el mundo. Es de destacar su trabajo como ilustradora no comercial, una faceta que Laura ha desarrollando en los últimos años. En el año 2013, dió vida a los personajes del cuento infantil, "Leo Packs a 1, 2, 3" escrito por Carolina Paiz.  Monika Buch Aunque valenciana de nacimiento, Monika Buch lleva más de 50 años viviendo en Holanda. En 1956, ingresó en la famosa escuela de diseño Hochschule für Gestaltung en Ulm, Alemania, heredera del Bauhaus. Hasta el momento es la úncia española que ha estudiado en esta academia. Años más tarde dicidió continuar su formación en la Universidad de Utrecht, Holanda, y realizar la carrera de pedagogía y psicología infantil. Durante sus últimos años universitarios trabajó creando juguetes para la fabrica ADO, aplicando los conocimiento adquiridos sobre los comportamientos de los niños. En el año 1983, decidió empezar a trabajar por su cuenta como artista, combinandolo con el diseño. En todos sus trabajos lo que más destaca es la combinación de formas y colores, basadas en ilusiones opticas, clara influencia de su formación académica.   Ana Gómez Bernaus Ana Gómez Bernaus nació en Barcelona en 1980 y estudió en Elisava. Sus primeros diseños estuvieron inspirados en el modernismo catalán, un movimiento de arte y literatura que surgió a principios del siglo XX. En Barcelona la ilustración la cautivó pero después de mudarse a New York en 2009 se enamoró de la tipografía; y ahora viviendo en Los Angeles combina ambas disciplinas diseñando Lettering colorido y de formas inimaginables que la hacen única. Sus diseños se pueden encontrar desde titulos de peliculas hasta campañas publicitarias y editorial. Ha trabajado para clientes como Converse, Nike, Trident, State Farm, Kia Motors, Direct TV, Polk Audio o JWT. Recibió el Certificado de Excelencia Tipográfica de Type Directors Club en 3 ocasiones, el premio de Tipografía de Artes de Comunicación en 3 ocasiones también; y la competencia de prototipos SOTA y TypeCon en 2016. Su trabajo ha aparecido en varios libros y publicaciones en los EE. UU. y Europa, incluidos Adobe Create, Domestika, AIGA's Eye On Design, Graffica y Etapes. Además de su trabajo de lettering, imparte talleres de rotulación dimensional con Type-Ed en Los Ángeles y es miembro de la junta directiva de Type Directors Club y del consejo de asesores de Cinema Eye Honors "Kitchen Cabinet".   Pati Núñez Pati Núñez nació en Girona en 1959 y en 1962 su familia se trasladó a Barcelona donde estudió diseño gráfico en la Escuela Eina, donde y donde pasó a ser profesora después de acabar sus estudios. Un año después empezó a trabajar como diseñadora gráfica con Toni Sellés y en 1991 se incorporó a AD (Associate Designers) durante 2 años. En 1995 creó Pati Núñez Associats y se especializó en imagen corporativa, imagen de producto y campañas de comunicación gráfica. Ha sido la primera mujer en ganar el Premio Nacional de Diseño en 2007. Ha realizado proyectos para System Action, Loewe, Mango, Opel, Caixa de Catalunya, Colegio de Arquitectos, Danone, Acosta, Ayuntamiento de Barcelona, American Prints, Antonio Miró, Big Ben, Zebra, entre otros. También ha ganado once trofeos Laus y el Premio Nacional de Cultura de la Generalitat de Catalunya.   Laura Meseguer Laura Meseguer nació en Barcelona en 1968 y estudió diseño gráfico en l’Escola d’Arts i Oficis Aplicats Llotja en 1988. En el 2003 cursó el master de diseño Type and Media en La Haya, Holanda y en 2010 obtuvo su licenciatura de diseño en la Universidad de Southampton-Winchester School of Arts y en la Escola Elisava de Barcelona. En 1989 trabajó como ayudante de director de arte en Dayax Testa y en 1990 comenzó a trabajar en Ogilvy & Mather. En 1994 empezó a trabajar en el estudio de Pati Nuñez, hasta que en 1996 fue diseñadora y cofundadora de Cosmic. Desde 2004 da clases en las escuelas de diseño Elisava y Eina sobre tipografía y diseño; y desde 2011 también es profesora en la escuela de diseño BAU. Ha realizado conferencias y talleres desde 1997 en varias ciudades de España, así como en Estocolmo, Lurs, Viena, Berlín y Copenhague. También desde 1995 ha realizado varias exposiciones tanto en España como fuera. Se especializa en el diseño de tipografías, ha diseñado varias como Adelita, Cortada,  Frankie, Lalola, Gallard, Girard Sansusie, Holiday Sans, Rumba, Guapa y Multi. Las cuales puedes encontrar en su pagina Type-Ø-Tones, además de hacer productos con tipografía que se pueden comprar en la tienda online Tipofino. Es la autora de TypoMag, Typography in Magazines publicado por IndexBook el cual obtuvo un Premio Laus en el diseño del Libro además de recibir muy buenas críticas y coautora del libro “Cómo crear tipografías, del boceto a la pantalla” publicado por Tipo E. También está involucrada con Alphabettes.org, un escaparate para el trabajo y la investigación sobre letras, tipografía y diseño de tipo por mujeres.
Los mejores rebrandings del 2017
Llega un momento en el que las marcas se ven ante la necesidad de renovar su imagen corporativa para intentar adaptarse a los nuevos tiempos o por una evolución natural de la empresa. Esta puede ser quizás una de las decisiones más difíciles que debe tomar una empresa. Un rebranding ataña muchos riesgos que hay que estar dispuestos a asumir, más aún cuando la marca es reconocida especialmente por su logo o colores y queremos hacer un cambio en estos aspectos. Aquí tienes el top 10 de los mejores rebranding de este año: Movistar La multinacional española de telecomunicaciones más importante nació en 1995 bajo el nombre de Telefónica de España SA. En el 2010 pasó a utilizar el nombre de Movistar para su imagen publicitaria, tratando de llegar a un público más joven. Un lavado de cara muy necesario para la compañía de telefonía más antigua de nuestro país. A lo largo de este tiempo Movistar ha realizado 6 rebrandings de su logo, tendiendo a la simplicidad, hasta llegar a este último realizado en 2017. Este rebranding ha sido realizado por la empresa Lambie-Nairn. ¿Cuál ha sido su objetivo? Mostrar una marca más cercana a las nuevas tecnologías, dándole una expresión de modernidad y simbolizando los nuevos retos empresariales de la compañía. Para el nuevo diseño de Movistar se han decidido eliminar los brillos y relieves (adiós a la M en 3D), así como el fondo azul en degradado. Ahora la M es plana, más simple y desvinculandose en ocasiones del verde para aparecer en algunos casos también en azul y blanco. Esta forma más plana está pensada también para usarse en redes sociales y para poder crear a partir de sus curvas un lenguaje más simplificado, fácilmente aplicable. Converse La famosa marca de zapatillas de lona fue creada en Massachusetts en 1908. Ha realizado varios rebrandings a lo largo de sus más de 100 años de historia, pero manteniendo desde los años 70 la estrella y la flecha. Los encargados del rebranding han sido el estudio británico Sawdust. Desde el principio han tenido claro que mantendrían la esencia de Converse. Como contó Adam Cohn, director de diseño global, para una entrevista para la web Cool Hunting: “el símbolo de la estrella y la flecha ha estado en uso desde los años 70 y queríamos que fuera una parte importante de nuestra identidad; esa parte de la investigación fue clara: aprovechemos un icono que es parte de nuestro legado y que además representa el avance. El desafío era poner nuestro nombre en la composición, así que tuvimos que desarrollar un nuevo arreglo tipográfico”. En este diseño la palabra “Converse” ahora queda en un segundo plano, haciéndola más pequeña que la imagen de la flecha junto con la estrella. La tipografía se ha cambiado, pasando a utilizar, según la agencia, "una mezcla de 4 ó 5 versiones que usaban antiguamente para el logo de la marca". Cirque du Soleil En 1984 fue creada una de las mayores empresas de espectáculos circenses del mundo en Baie-Saint-Paul. Actualmente, teniendo en cuenta tan solo los shows que tienen lugar en la ciudad de Las Vegas reciben más de 9 millones de espectadores al año. Desde sus inicios han realizado 5 rebrandings, la mayoría siempre han guardado las líneas tradicionales a excepción de este último que ha roto definitivamente con ellas. La Consultora Brand Union en colaboración con Commissaire Officiel Studio, ha sido la encargada de este cambio. El objetivo de la compañía es convertirse en una empresa multimarca, creando una marca paralela alejada del espectáculo, de ahí que el diseño muestre una imagen totalmente diferente a la que nos tienen acostumbrados. El diseño cuenta con el mismo medallón pero mucho más simplificado, permitiendo que se use en formatos más pequeños. Además, podrá usarse de forma más cómoda en las redes sociales. El logotipo ha pasado de incorporar muchos detalles a líneas simples y claras, al igual que la tipografía que se ha afinado para una mejor legibilidad en redes sociales. El intenso color amarillo que usaban, ahora es un amarillo más apagado y sofisticado. Los colores utilizados para el fondo son el azul, el blanco y el negro.  Formula 1 Hace 67 años que se celebró la primera carrera de Fórmula 1 en 1950 en Inglaterra, además el anterior branding estuvo durante 23 años. El diseño ha sido realizado por la agencia londinense Wieden + Kennedy. El cambio de propiedad a Liberty Media ha sido uno de los detonantes de este cambio de imagen. Además, de la necesidad de adaptarlo a los nuevos tiempos y a su uso en redes sociales. El logo ahora está formado por dos figuras rectas con una curva simulando una F y una línea vertical simulando el 1. Representando dos coches que recorren un circuito, queriendo llegar a la meta. El nuevo branding muestra una imagen mucho más simple y con menos detalles, consiguiendo así unas líneas más acordes a la actualidad, más moderna. Ebay La pionera de las subastas de productos online se fundó en 1995 en California. A lo largo de su historia su logo ha sufrido dos únicas modificaciones. En sus inicios el logo incluía unas letras multicolor superpuestas unas encima de otras, dando así una imagen aniñada. En el primer rebranding mantuvieron las letras multicolor pero las separaron para conseguir una mejor legibilidad. El segundo y último rebranding realizado para la marca por Form& junto con el equipo de ebay, la marca ha decidido deshacerse de las letras multicolor. Los colores los siguen manteniendo en el fondo, apostando por un diseño más elegante y no tan infantil pero sin perder su esencia. La tipografía utilizada es la Market Sans, creada por Swiss Typefaces especialmente para este proyecto. Schweppes Esta empresa nació en 1783 en la ciudad de Ginebra, pero no llegó a España hasta la década de los 50. La marca es propiedad de diferentes compañías en cada uno de los países, por eso no es difícil ver que tanto el branding como el packaging sea a su vez diferentes. Por ejemplo en Reino Unido es propiedad de Coca cola, mientras que en España es propiedad de Orangina-Schweppes. El nuevo branding del Reino Unido ha sido diseñado entre Coca-cola y la consultora Kenyon Weston. La nueva forma de la botella está inspirada en el modelo original de Jacob Schweppe de 1783. La pena es que este rediseño no llegará a países como España dado que Schweppes no forma parte del grupo Coca-cola. En esta ocasión han apostado por un cambio en la tipografía, ahora es de palo seco eliminando las serifas para un mejor uso e impresión en las nuevas botellas. Häagen Dazs Desde que la impronunciable empresa de helados neoyorquina naciera en 1961, no se había realizado ningún rediseño de la imagen corporativa hasta el día de hoy. La agencia de Manchester LOVE ha sido la encargada del lavado de cara de la marca. El objetivo que busca Häagen Dazs con este cambio es renovarse y modernizarse para adaptarse a los nuevos tiempos que corren y a los avances tecnológicos. Se han eliminado los colores negro y dorado que aportaban una imagen anticuada. El borgoña ha sido el único que ha permanecido intacto, el color insignia de la marca. También han rediseñado su packaging, haciéndolo más visual. La marca de helados cuenta con más de 50 patterns para decorar todos los packs. Artistas, diseñadores y directores de arte de todo el mundo se han prestado para llevar a cabo este rebranding. YouTube La plataforma de vídeos más visitada del mundo y que cuenta con más de 1.500 millones de usuarios, nació en California en el año 2005. En número de miembros solo es superada por Facebook que cuenta con más de 2.000 millones de usuarios. Cabe destacar que este año YouTube contabilizó 1.000 millones de horas en visualizaciones al día, duplicando lo conseguido en 2015 cuando se contabilizaron 500 millones de horas. El rebranding ha sido realizado por la propia compañía, contando con Christopher Bettig en la parte de arte y Robert Thompson en la navegación y visualización de videos. Además, han contado con la colaboración de Saffron para la creación del diseño. Este ha sido su primer rebranding desde que se creó, con el objetivo de hacer funcionar mejor los elementos ya existentes. Se ha creado especialmente para la ocasión la tipografía Youtube Sans, más redondeada y menos condensada, queriendo así mejorar su legibilidad sin perder su esencia. La palabra “Tube” la han sacado de la caja roja, juntándola a “You”. Además, han colocando delante de “Youtube” el icono de play de sus videos, un nuevo elemento añadido al logotipo de la marca. Calvin Klein Una de las casas de moda más importantes del mundo, fundada en 1968 en Estados Unidos, ha realizado el segundo rebranding de su historia en este año 2017. La marca opera en más de 110 países, obteniendo unos ingresos superiores a 8.000 millones de dólares anuales. En esta ocasión, el diseño ha sido creado por Raf Simons, bajo la dirección del diseñador gráfico Peter Saville. Este cambio ha sido un homenaje al fundador y a los cimientos de la casa. Los cambios más destacados han sido, el paso de las minúsculas del nombre a mayúsculas y el uso de una nueva tipografía, desechando la tradicionalmente utilizada Futura. Audi La empresa de automóviles alemana se creó en 1909 y pasó a formar parte del Grupo Volkswagen en el 1965. Actualmente opera en todo el mundo, obteniendo unos ingresos de 45.096 millones de euros anuales. No es la primera vez que la marca decide rediseñar su logo, cuentan con una larga historia de cambios siempre intentando amoldarse a los nuevos tiempos. El rediseño ha sido realizado por Audi en colaboración con las agencias alemanas Strichpunkt y KMS TEAM. El objetivo que se buscaba en esta ocasión era la adaptación a las nuevas tecnologías y romper con la imagen actual dando rienda suelta a la creatividad. En el nuevo branding podemos comprobar que se ha retirado la palabra Audi en su totalidad y se han desecho de los relieves y brillos de los anillos (adios al diseño 3D de estos). El logo ha pasado a ser completamente plano y de líneas sencillas, permitiendo así una mejor uso en las redes sociales.
Las mejores portadas de la historia de la música
Listas, listas y más listas. Todas subjetivas e imperfectas y esta también, y mucho. Nada me gusta más en esta vida que el diseño y la música, así que escribir este artículo ha sido una mezcla de fruición y responsabilidad unida a constantes dudas. Todas las listas de este tipo que he visto en revistas o en internet siempre me han parecido incompletas, repitiendo una y otra vez las mismas 10 portadas, como si no hubiera vida más allá del plátano de Andy Warhol o el haz de luz de Thorgerson para Pink Floyd. Evidentemente en esta no podían faltar ni esas, ni otras que pertenecen a ese grupo de "indispensables", pero quiero ir más allá y proponer en este artículo una lista más completa, la lista que me hubiera gustado ver a mí, sí, a mí, porque para ti probablemente esta lista seguirá siendo imperfecta.   Ryuchi Sakamoto  B2 Unit Takeo Aizawa y Tsuguya Inoue realizaron el diseño de este disco totalmente pionero que incluye el clasicazo de la música electro Riot in Lagos.    Joe Jackson Look sharp! Michael Ross realizó un diseño, cuyo mérito reside, sobre todo, en la increíble foto del gran Brian Griffin, y no, no estoy hablando del perro de Family Guy.   Sweet Off the record Esta ilustración de Terry Pastor siempre me fascinó de pequeño, así que cuando pensé en escribir este artículo me dije "esta cae fijo".    Led Zeppelin IV No quiero parecer un nostálgico de barra de bar, pero el vinilo daba un soporte al diseño que es imposible de reproducir en un CD. Aquí un ejemplo de portada y contraportada que hay que ver en su conjunto. Jimmy Page y Robert Plant idearon el diseño. Robert había comprado la lámina que aparece en la portada en una chatarrería en Reading y se les ocurrió la idea de que la imagen del hombre con la leña representase lo antiguo en un edificio derruido, con el contraste de lo nuevo por detrás.   Dead Kennedys Frankechrist La historia que hay detrás de esta portada es tan maravillosa que sin duda merece aparecer aquí. La subrealista imagen es el detalle de una fotografía de un desfile de shriners, que muestra a cuatro miembros de la Antigua Orden Árabe de los Nobles del Relicario Místico (A.A.O.N.M.S. En inglés) conduciendo automóviles de juguete. Los cuatro miembros de la orden que aparecen en la portada posteriormente demandaron a la banda por el uso de su imagen, en 1986. Sin embargo lo que rebanó del todo los sesos de la gente fue su interior: El LP traía un póster denominado "Penis Landscape", obra del artista suizo H. R. Giger, consistente en una imagen de penes penetrando vulvas. El grupo fue denunciado por amoralidad por parte de una asociación conservadora estadounidense (PMRC) la cual los llevó a un juicio en 1986  en el que los miembros de la banda fueron condenados, aunque finalmente fueron absueltos un año más tarde. De película.   Manfred Mann's Earth Band The roaring silence Espectacular arte a cargo de Shirtsleeve Studio para una de las bandas que, por esa época, más le daba al azucarillo de Hofmann.   Freddie Hubbard Hub-tones Esta portada es la esencia del diseño Blue Note, un estilo que marcó una época y que aún hoy continúa haciendo escuela. El disco, nada del otro mundo, solo Freddie Hubbard acompañado por gente como un tal Herbie Hancock o un tal Clifford Jarvis. Espectacular.    Kiss Peter Criss, Ace Frehley, Genne Simmons, Paul Stanley Esto no es ni una portada ni un disco, son cuatro portadas y cuatro discos que pertenecen a uno de los proyectos más originales de la historia de la música. Se trata del lanzamiento simultáneo de cuatro álbumes en solitario de los miembros de Kiss. A pesar de que ninguno de los discos contiene el trabajo de más de un miembro del grupo, se comercializaron como álbumes de Kiss. Fue la primera vez que todos los miembros de una banda de rock, publicaban álbumes en solitario, y el mismo día.    Bob Dylan Planet waves Por el precio de un vinilo, te llevas un discazo y una pintura del mismisimo Bob Dylan. No era la primera vez que lo hacía, ya le había dado al pincel en Self Portrait y Music from Big Pink. En el margen derecho de la imagen puede leerse la frase «canciones inquebrantables y baladas antorcha». Pues eso.    The Clash London calling La fotografía de Pennie Smith con Paul Simonon golpeando su bajo Fender Precision es una de las imágenes más icónicas de la música. Sin embargo, lo que no todo el mundo sabe es que la tipografía es un homenaje al primer disco de Elvis Presley.   Elvis Presley Elvis Presley He aquí el homenajeado primer disco del rey del rock lanzado en marzo de 1956.   Hot chip Why Make Sense? Los diseñadores Nick Relph y Matthew Cooper realizaron para esta portada una técnica de impresión única y creada expresamente para la ocasión, basada en un algoritmo que modifica de forma aleatoria el color e imagen de la portada para cada una de las impresiones de vinilo, dando como resultado cientos de miles de combinaciones diferentes.   Bill Evans Undercurrent La fotografía de Toni Frissell, titulada "Weeki Wachee, Florida" de 1947 es tan impactante que posteriormente tanto la banda This ascension y The Beauvilles la utilizaron para ilustrar sendos discos. Pero nada, la original es esta.    Kraftwerk The man machine Otro "indispensable" para cualquier lista. La portada está basada en la obra constructivista de El Lissitzky, ilustrador de la propaganda de vanguardia durante la consolidación de la revolución soviética. Como es normal, en plena guerra fría, la imagen dio mucho que hablar.   Pj Harvey Rid of me Esta portada me encanta porque define perfectamente la música de Pj Harvey: impulsividad, imperfección y delicadeza. La foto fue capturada por Maria Mochnacz, y fue tomada en el baño de la fotógrafa. Debido al pequeño tamaño de la habitación, tuvo que colocar su cámara contra la pared frente a Harvey y no podía mirar a través del visor de la cámara.    Guns and roses Appetite for Destruction No sé si se vendieron más discos o parches para la chupa con esta ilustración. Tras esta portada hay otra historia de esas que merecen ser contadas. La portada original era un diseño del artista californiano Robert Williams en la que aparece un robot que supuestamente acaba de violar a una chica. El problema vino cuando los directivos de Geffen vieron que este diseño podría suponer un contratiempo para las ventas del disco, por lo que se decidió cambiar la portada antes de lanzar el LP, lo que generó dos meses de retraso en el lanzamiento del mismo.    Honeymoon Suite Honeymoon Suite Steve Gerdes y Dean Motter fueron los encargados del diseño de la portada del primer disco de la banda canadiense. Motter compaginaba su carrera de diseñador con la de dibujante de cómics, siendo el creador de Mister X, uno de los más influyentes de la Nueva Ola de los años 80.   Yellow Magic Orquestra X∞Multiplies La banda del genial Ryuchi Sakamoto lanzó este álbum en 1980. Takayuki Innami fue el encargado de crear esta fantástica portada de un disco que tuvo dos versiones, la que sacaron en Japón, mucho más experimental, y la que publicaron para el resto de países, en la que limpiaron intros y finales como el del tema New Age que termina con una sucesión de sonidos abruptos y complejos. Quizás pensaron que el resto de la humanidad no estaba preparada ciertos conceptos musicales. Quizás acertaron.   Supertramp Breakfast in America Ganadora del Grammy al mejor diseño de portada en 1979. Esta obra del genial Mike Doud simboliza una vista aérea de Nueva York desde el asiento de un avión. En ella aparece la acriz Kate Murtagh vestida de camarera haciendo de Estatua de la libertad, con un fondo de vasijas que representa el skyline de la ciudad.   Todd Terje It's album time Una portada con una ilustración de Bendik Kaltenborn es un acierto seguro. Además el disco del dj y productor noruego es de esos que no puedes dejar de escuchar una y otra vez.    Elton John 21 at 33 Norman Moore ha diseñado cientos de portadas que seguro que recuerdas perfectamente, algunas con mucho más acierto que otras. Esta que nos ocupa, de 1980, me parece muy merecedora de aparecer en esta lista, tanto por la imagen como por la fina composición tipográfica, muy inusual para la época.   The Who The Who sell out Esta portada está dividida en paneles que incluyen fotografías realizadas por David Montgomery a cada miembro del grupo, dos de ellos en la portada y otros dos en la contraportada. En la portada aparecen Pete Townshend, aplicándose un desodorante de la marca ficticia Odorono (título de uno de los temas), y Roger Daltrey, sentado en una bañera llena de frijoles de la marca Heinz. En la contraportada se sitúan Keith Moon, echándose en la cara una pomada llamada Medac, y John Entwistle, vestido con piel de leopardo y abrazando a una mujer. Igual que su música, la portada es pura psicodelia.    Beasty Boys Licensed to ill Dice la Rolling Stone que este es el mejor disco debut de la historia de la música y creo que estoy bastante de acuerdo. Rompieron todos los moldes en unos Estados Unidos donde, con vagas excepciones, los blancos hacían rock y los negros rap, y ni mucho menos a nadie se le ocurría mezclar esos dos mundos. Así que, fanáticos del metal chándal, ya sabéis quién abrió el camino. La portada es una ilustración de David Gamble, conocido en el mundillo como World B. Omes. Por cierto, hay un disco no muy conocido de Beasty Boys que a mí me cambió la vida y que me sé de memoria: The In Sound from Way Out!  un pedazo de álbum instrumental con 13 temazos funk que es una gozada. Ahí lo dejo.   Martin Briley One night with a stranger La portada de este disco, obra del ilustrador Stan Watts y el estudio de diseño Lumen Whiteman, reproduce el primer fotograma del vídeo "The salt in my tears", tema que abría el álbum del artista inglés.   Radiohead OK Computer La portada de este casi perfecto álbum (esto no es opinión, es información) es un collage de imágenes y textos indesciifrables en el idioma esperanto. Obra de Stanley Donwood, autor de varios diseños de portadas de Radiohead, con la inestimable colaboración de Thom Yorke.    The Rolling Stones Their Satanic Majesties Request Las versiones iniciales de este álbum presentaron una imagen tridimensional de la banda realizada por el fotógrafo Michael Cooper. La imagen lenticular muestra cómo giran las cabezas de los miembros del grupo a excepción de la de Jagger, cuyas manos aparecen cruzadas delante de él. Lo mejor de esta portada es que al mirarla muy de cerca, puedes ver los rostros de los cuatro Beatles, al parecer en respuesta a la inclusión de una muñeca que lleva un su suéter el mensaje 'Invitamos a los Rolling Stones' en la portada de Sgt. Pepper, de la que hablaré más adelante.   Quatermass Quatermass Este trío de músicos adelantados a su tiempo (estuvieron en activo de 1969 a 1971) nos dejaron una corta pero intensa colección de temas de rock progesivo y esta portada, que podía mirar durante horas en mi mocedad.   The Cribs Men's needs, women's needs, whatever Janette Beckman a la fotografía y Rob Crane al diseño fueron los artífices de esta portada tan cinematográfica que es pura poesia.   Pink Floyd Dark side of the moon Bueno, pues hemos llegado a La portada, es cierto que está más vista que el hilo negro pero tenía que estar en esta lista.   El colectivo de diseño de Hipgnosis fue el encargado, una vez más, de crear la portada del octavo disco de la banda; ya habían diseñado otras portadas para Pink Floyd con anterioridad. Sin embargo en esta ocasión el encargo era claro: "queremos algo con más clase, elegante".  Todo el mundo atribuye esta portada a Storm Thorgerson, pero el, por entonces, "currante" que diseñó el prisma con sus manitas fue George Hardie, empleado de Hipgnosis. Al César lo que es del César, que Thorgerson ya se ha llevado muchos aplausos, merecidos, eso sí.   Funky Porcini Fast asleep El estudio Openmind fue el encargado de diseñar esta magnífica portada para este artista de Ninja Tune que mezclaba como pocos el jazz, el drum and bass y el hip hop desde finales de los noventa.   The Jeff Beck Group Beck-Ola Aviso: si pones en la portada de tu disco una pintura de René Magritte, vas a salir SIEMPRE en todas las listas que haga de este tipo.   Led Zeppelin Houses of the holy El quinto disco, pero primero con un título pronunciable de los Zeppelin fue obra (again) de Thorgerson, aunque la cosa no empezó nada bien. Según Page: Le habíamos encargado el diseño de Houses of the Holy y este tío, Storm, vino con una foto de una pista de tenis verde eléctrico y una raqueta. Yo dije "¿Qué demonios tiene esto que ver?" y él dijo: "Raqueta, ¿no lo captas?" (Racket, en inglés, significa tanto "raqueta" como "fraude", y también "ruido" o "barullo"). Le respondí: "¿Me estás diciendo que nuestra música es una raqueta? ¡Lárgate!".  Finalmente aceptaron la siguiente idea que Thorgerson les propuso, que había nacido del libro de ciencia ficción de Arthur C. Clarke “El fin de la infancia” (también conocido como “Los hijos de Ícaro”), editado en 1953.    Nirvana Nevermind Según Cobain, la idea de esta portada la tuvo mientras veía un programa de televisión sobre nacimientos bajo el agua con Grohl. Cobain se lo mencionó al director artístico de Geffen, Robert Fisher, quien encontró varias imágenes impactantes sobre estos nacimientos bajo el agua, pero eran demasiado explícitas para la compañía discográfica, por lo que decidieron tomar la foto ellos mismos. Por cierto, el niño ya se ha hecho mayor.   Manfred Mann's Earth Band Chance Las portadas de Manfred Mann's eran casi todas buenas, pero esta, quizás por su sencillez alejada del estilo de la banda, siempre me gustó. El diseño es de Martin Poole y la ilustración de Ole Kortzau.   Battles La Di Da Di Los magos del loop infinito y del post-rock o del "comoloqueráisllamar". Es un grupo difícil para la mayoría, pero a mí me flipan (por muchos motivos que no vienen al caso contar ahora). El ménage à trois formado por Ian Williams, John Stanier y Dave Konopka es pura adrelanina, y este último, además de hacer lo que quiere con su guitarra es un genial diseñador, autor de esta y de las anteriores portadas (todas excelentes) de la banda de Nueva York.   New Order Power corruption & lies El diseño de Peter Saville para el álbum tenía un código de color para representar el nombre de la banda y el título del álbum. La cubierta es una reproducción de la pintura "una cesta de rosas" del artista francés Henri Fantin-Latour, que es parte de la colección permanente de la galería nacional en Londres.    Squarepusher  Damogen furies El estudio Build junto con el fotógrafo Timothy Saccenti fueron los encargados del arte de este disco, transmitiendo a la perfección la finura y el caos de este músico inglés.    Michael Jackson  Dangerous Recuerdo que me compré el casette en Discoplay siendo un mico y me tiraba las horas muertas viendo la ilustración de Mark Ryden.  Estamos ante una portada llena de detalles y símbolos con la que algún amigo mío conspiranoico se frotaría las manos. El caso es que Ryden, que tardó 6 meses en acabar el trabajo, quiso reflejar gran parte de la vida de Michael Jackson en esta ilustración; por ejemplo, justo encima de los ojos aparece un mono a punto de ser coronado, se trata de Bubbles, el chimpancé de MJ que murió en 1989.    Le Roux  So fired up Paul Maxon fue el creador de la portada de este álbum de la banda de Lousiana. Nunca he sabido si la chica baja o sube.   Lee Bannon  Pattern of excel Un discazo de Ninja Tune con una portada maravillosa de la que aún sigo sin saber al autor, así que si alguien lo sabe, por favor que le vante la mano.   Miles Davis  Bitches Brew Aunque como el Kind of Blue no haya nada igual, creo que esta mítica portada de Mati Klarwein merece más reconocimiento.   The Beatles  Abbey road Un 8 de agosto de 1969 a las 11:30 de la mañana, enfrente de los estudios de EMI en Abbey Road, el fotógrafo Iain McMillan tomó una de las fotográfias más icónicas de la historia de la música. McMillan tuvo que contentarse con 10 minutos para trabajar, que es lo máximo que la policía accedió a parar el tráfico en la calle.    The Velvet Underground & Nico  s/t Y de un clásico pasamos a otro.  Las primeras copias del álbum invitaban a "Peel slowly and see" (Pelarlo lentamente y ver). Al despegar el plátano aparecía otro debajo de color carne, muy Warhol todo.    UFO Phenomenon De nuevo Hipgnosis está detrás de esta portada de la banda británica de hard rock de los setenta. Es uno de los discos claves para las bandas británicas nacidas a fines de los setenta y principios de los ochenta como Iron Maiden, que solían hacer una versión del tema «Doctor Doctor» en muchos de sus directos.   Average White Band The best of Laurence Hoadley fue el encargado del arte de este recopilatorio de la banda escocesa que tanto influyó a gigantes como The Brand New Heavies o Incognito.   Supertramp ...Famous last words... Mike Dowd y Norman Moore realizaron esta portada que, en el momento de su lanzamiento, muchas personas interpretaron tanto por el título, como por la imagen como una posible disolución del grupo.    The Beatles Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band El octavo álbum de estudio de The Beatles, como todo el mundo sabe, contiene muchísimas curiosidades.  Podemos ver a varias celebridades que acompañan a la banda británica, como por ejemplo Edgar Allan Poe, Bob Dylan, Marilyn Monroe, Marlon Brando e incluso Albert Einstein. Muchos fans ven en ella alusiones a la supuesta muerte de Paul: el coche que aparece en la parte inferior derecha, que simboliza el accidente que provocó la muerte de Paul, el bajo formado por flores amarillas y que solo tiene tres cuerdas, los mismos miembros de la banda que quedarían vivos; o la mano que aparece sobre la cabeza de Paul, que es un símbolo hindú relacionado con la muerte. Vamos, que esta portada da un juego espectacular para todos los conspiranoicos.   Chicago Chicago 13 El fabuloso Gary Meyer fue el encargado de hacer la espectacular ilustración de la portada de este álbum del 79. El resto del diseño corrió a cargo de Tony Lane. Tengo que decir que todas las portadas de esta banda son geniales.   David Bowie Aladdin Sane Conseguir que la portada de un disco acabe siendo un icono del pop es algo que ha sucedido 3 ó 4 veces en la historia, y esta es una de ellas. Brian Duffy fue el fotógrafo que inmortalizó a Bowie maquillado por el argelino Pierre La Roche. Una curiosidad sobre el título de este disco: es un juego de palabras que esconde A lad insane (un hombre loco) en honor a su hermano esquizofrénico.   Grace Jones Island life El dúo formado por Grace Jones y el diseñador Jean-Paul Goude es uno de los más exitosos y reconocidos en la historia de la música. Todo lo que cada uno es, se lo debe al otro. Crearon juntos un imaginario difícil de superar y que sigue influenciando a artistas y diseñadores en la actualidad.    Joy Division Unknown Pleasures Que en tu primer disco no pongas ni el título del mismo, ni el nombre de la banda, es de tenerlos cuadrados. Si además, en la contra tampoco pones la típica lista de canciones es que, una de dos, o eres un puto genio, o estás como una cabra. El tiempo ha demostrado que fue lo primero. Peter Saville, el diseñador, explicó que la imagen es la reproducción de 100 pulsos del primer púlsar descubierto (el púlsar es un tipo de estrella que emite pulsos de radiación electromagnética de forma periódica). Nadie sabía a ciencia cierta dónde apareció por primera vez esa imagen, que ya ilustraba un libro de la Universidad de Cambridge en el 77. Hasta que un especialista en tesis doctorales de la Universidad de Cornell redactadas entre el periodo 1968 y 1970 descubrió que la imagen era parte de un trabajo de Harold D. Craft titulado Radio Observaciones de los perfiles de pulso y medidas de dispersión de doce pulsares.     Pues hasta aquí mi "pequeña" lista de las mejores portadas de la historia de la música, consciente de que podría haber incluido muchas más, y dudando de si se me escapa alguna que hubiera querido que apareciese, pero que con semejante saturación se ha quedado en el tintero. En algún momento hay que poner el punto final y este momento me parece bien. 
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